Ремесло, ставшее искусством: ювелирные бренды с историей

Ювелирное искусство – это изготовление различных изделий, как правило, из драгоценных металлов с использованием самоцветов. Изначально такие вещи служили не только для красоты, но и для того, чтобы подчеркнуть высокое социальное положение владельца или владелицы. Также украшениям часто приписывались магические функции. Их использовали, к примеру, в качестве защитных амулетов и талисманов. История ювелирного искусства уходит корнями в глубокую древность. Изначально создание ювелирных изделий не предполагало какой бы то ни было обработки. С течением веков искусство совершенствовалось, умельцы создавали все более сложные и изысканные украшения. Давайте проследим историю ювелирного ремесла и назовем его выдающихся мастеров.

Древний Египет

Ювелирное искусство было удивительно хорошо развито в Древнем Египте. Украшения, созданные там, до сих пор поражают своей красотой и сложностью. По форме они обычно походили на изображения древних божеств. В Древнем Египте верили, что украшения выполняют магические функции: защищают от болезней и злых чар, связывают человека с силами природы.

Носить украшения полагалось на определенных участках тела. Прежде всего, это была область сердца (оно считалось наиболее значимым органом). Чтобы защитить его, на груди носили изделия в виде скарабея. Жук символизировал жизненную силу, активность, воскрешение. Кроме того, важной точкой была середина лба. Древнеегипетские мастера, выполняя украшения для нее, использовали символы силы и мудрости, например изображения змеи. Говоря о технике изготовления изделий, можно отметить, что обычно применялись чеканка и гравировка, а любимыми материалами египтян были золото, серебро, обсидиан и аметист.

Древняя Греция

Большим изяществом и тонкостью отличалось древнее ювелирное искусство в Греции. Любимой техникой мастеров была филигрань – выполнение сложнейшего узора из тонкой золотой или серебряной проволоки, припаянной к металлическому фону. Чаще всего при этом использовался растительный орнамент: изображения цветов, листьев, виноградной лозы.

Из материалов выше всего ценилось золото – этому металлу древние греки приписывали магические свойства. В целом же ювелирные изделия подчеркивали статус владельца, поэтому чем тоньше и сложнее была работа, тем дороже она стоила. Богатые гречанки носили множество разнообразных украшений. В почете были изящные изделия для волос и шеи, а также браслеты. Исключением являлась разве что Спарта – местные женщины не носили пышные и причудливые драгоценности, отдавая предпочтение простым металлическим украшениям.

Современность: недоступное искусство и доступная безвкусица

Пока ювелиры-ремесленники обеспечивали демократичными, но, в большинстве своём, обезличенными и топорными украшениями разношёрстную городскую публику, изящные драгоценные вещицы, выполненные с тонким художественным вкусом и чутьём, радовали своей красотой людей более притязательных.

Если раньше именитые ювелиры поставляли свои изделия королевским фамилиям, и это служило своего рода наиболее действенной рекламой, то ныне ювелирные дома дают свои изделия, некоторые из которых стоят по несколько миллионов долларов, напрокат разного рода знаменитостям для мероприятий высокого уровня (вручения Оскаров, Золотых Глобусов и т.п.). , например, создала украшения специально для фильма «Великий Гэтсби».

Модные тренды в ювелирном бизнесе не имеют столь короткого срока годности, как в индустрии одежды, однако, и тут периодически происходит смена акцентов, обращение к разным мотивам и образам, которые могут с течением времени меняться. При этом наиболее дорогостоящие украшения, изначально выполненные не в угоду моде, а возвышающиеся над ней, предугадывающие её на несколько десятилетий вперёд, остаются актуальными долгие годы. И, вероятно, будут таковыми же века спустя. Ведь настоящее искусство никогда не обесценивается.

О тонком искусстве ювелиров — Ирина Жукова

Ювелирное дело эпохи Возрождения

Ювелирные изделия эпохи Возрождения поражают своей изысканностью, красотой и сложностью. Мастера использовали самые разные техники, в том числе чеканку, огранку и эмаль. На них во многом оказывали влияние античные традиции, вместе с тем вносились и типичные именно для тех лет черты.

Так, украшения уже не столько указывают на статус владельца, сколько подчеркивают утонченность вкуса и фантазию. Они становятся уникальными и своеобразными. Самоцветы, жемчуг и изысканные эмалированные детали украшают не только ювелирные изделия, но и пышные дамские наряды. Большую популярность приобретают перстни и массивные подвески.

В Германии мастера используют в работе весьма необычные материалы: скорлупу кокосового ореха, яйца страуса и раковины.

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 10 563

Женский перстень-печатка. 15 век до н. э. Золото; резьба. Национальный музей, Афины

Ювелирное искусство – один из древнейших видов художественного творчества – изготовление художественных изделий из благородных и цветных металлов (золота, серебра, платины, меди, бронзы, нейзильбера, титана, стали) часто в сочетании с драгоценными и полудрагоценными камнями, жемчугом, перламутром, янтарем, костью, цветным стеклом. В ходе эволюции сложился ряд наиболее распространенных ювелирных техник: ковка, литье, чеканка, тиснение, резьба, гравировка, чернь, эмаль, инкрустация, травление и другие технические приемы обработки металлов. Этот вид декоративно-прикладного искусства объединяет разные виды изделий: предметы быта (посуда, столовые и туалетные приборы, интерьерные украшения и светильники), культовые предметы, парадное оружие и украшения.

История ювелирного искусства берет начало в истоках человеческой цивилизации, когда потребность в

Статуэтка кошкообразного божества. 100 — 700 н. э., Америка. Медь, красная раковина, бирюза, самоцветы; позолота. Национальный археологический музей Брунинг. Ламбайеке, Лима

украшениях была сильнее, чем потребность в одежде. Это мы можем наблюдать еще и сегодня в культурах «примитивных» народов. Трудно сказать, в каком качестве появились украшения первоначально – то ли как эстетически значимые предметы личного обихода, ибо желание привлечь к себе внимание, как известно, присуще и представителям животного мира, то ли как амулеты или обереги, иначе говоря, форма познания мира, вид художественного творчества. По-видимому, возникновение этих (основных) и других функций украшений взаимосвязано. Можно смело утверждать, что первыми появились «нательные» украшения, предназначенные для декорирования тела – подвески (в том числе талисманы и амулеты), ожерелья, браслеты, серьги, гребни для скрепления волос. Затем «костюмные» – фибулы для скрепления одежды, пряжки для поясов и обуви.

В каждую отдельную историческую эпоху превалируют украшения одного вида, нательные или костюмные, в то время как другие остаются в тени. Каждая эпоха создавала украшения по-своему, и это касалось не только выбора материала, способов его обработки и техник, но, прежде всего, собственного языка художественных форм, адекватного ее мировоззрению, уровню экономического и технического развития. Украшения отражают все аспекты эволюции человеческого общества – религиозные и эстетические представления, социальную структуру, характер политических связей с соседними народами и государствами.

Во все эпохи златокузнецы и серебряники находились под влиянием работ предшественников и творчески осмысляя историческое художественное наследие, мастера-ювелиры собственными произведениями не

Подвеска царевны Сат-Хатхор-Иунит. Около 1870 до н. э. Египет

только стремились доказать свою принадлежность к художественной культуре эпохи, но и пытались внести свой вклад в мировое наследие ювелирного искусства. Этот процесс, конечно, был не всегда осознанным, но благодаря нему в ювелирном искусстве выстраивалась историческая преемственность поколений. Подтверждение этому можно увидеть во множестве реминисценций традиционных форм древних украшений в произведениях современных художников-ювелиров.

Огромную роль во взаимодействии культур играли торговля и основание колоний. Ювелирные украшения, выполненные столичными мастерами, часто попадали в колонии в качестве привозного товара или заказа, чем

Ожерелье с разнообразными подвесками. 8 век до н. э. Золото. Музей Карфагена

способствовали развитию провинциальных школ. Случалось и жителям столиц делать заказы на ювелирные изделия у ремесленников в колониях, и столичные традиции обогащались местными. Так более жизнеспособные культуры постоянно расширяли ареал своего влияния. Украшения путешествовали по миру вместе с хозяевами в качестве их личных вещей, принося на новые территории не только обычаи и нравы, но и художественные традиции. Не только всякая эпоха, но всякая культура в рамках одной эпохи создавала украшения в соответствии с господствующим мировоззрением и жизненными укладом в обществе. Так, на Древнем Востоке в искусстве Египта главную роль играли религия и, служащий прославлению фараона как наместника бога, придворный церемониал. Поэтому египетские украшения, как культовые, так и светские, имеют ритуальный характер.

Серьга в форме корзиночки. 2400 — 2300 до н. э. Золото. Греция

В Древней Греции определяющее значение имела эстетическая функция украшений. В поисках общей гармонии греки стремились позиционировать человека в пространстве макрокосмоса. В их ювелирном искусстве особое внимание уделялось украшениям, подчеркивающим пропорциональность человеческой фигуры как микрокосма. Мастера-ювелиры Древнего мира (Египта, Местопотамии, Греции и Рима) выработали основные виды и типы украшений, сформулировали их символическое значение в поисках гармонического единства человека с миром.

В эпоху средневековья большую роль в формировании целостных художественных стилей на значительных территориях сыграла христианская

Брошь Стрикленда. 9 век. Скандинавия. Золото, синее стекло. Британский музей

Церковь. Эта эпоха оставила мало светских украшений, культовые же изделия объединяет христианская эстетика. Под её духовным воздействием сформировалась византийская православная культура на юго-востоке Европы и католическая – на западе. Затем, в эпоху Возрождения, снова возрастает интерес к культуре и искусству Античности. В Новое время – эпоху географических открытий – Европа знакомится с культурами неизвестных доселе континентов и территорий, буквально распахнувшими перед Старым Светом «шкатулку с сокровищами». Ее содержимое и сегодня питает творчество ювелиров, работающих в драгоценных материалах.

Европейцам открылись художественные культуры Индии, Америки, Африки, Дальнего Востока, и интерес к ним с начала XVII века сплавился новым художественным направлением, рожденным внутри европейского континента, и связанным с вновь возросшими

Подвеска Тритон.1600.Серебро, жемчуг, драгоценные камни. Музей серебряных изделий, Флоренция, Италия

претензиями церкви на государственное господство. Барокко явилось результатом слияния религиозного и светского мировосприятия. Путь к духовному господству лежал через эстетическое наслаждение. Украшения, как и другие ювелирные изделия этого времени, очень красочны и богаты экзотическими материалами.

Классицизм – едва ли ни первая сознательная попытка переосмысления творческого наследия Европы. В этот период в украшениях немало декоративных

Шпинель Побережье Бретани. Ке, Ж. Нач. XVIII века. Шпинель, золото. Лувр, Париж, Франция

мотивов искусства империй Древнего мира – Египта и Рима, актуальных в период формирования европейских империй.

В эпоху Историзма появляются изделия, поэтизирующие тот или иной художественный стиль минувших времен, напрямую связанные с возросшим интересом к прошлому и национальной истории. Поэтому ювелирные украшения в эти годы – прямые исторические реплики, хотя и оторванные от художественного контекста.

Стиль Ар Нуво, подведший итоги уходящей эпохи, стал последней попыткой создания единого европейского художественного стиля. Он продемонстрировал конструктивную основу художественных изделий

Брошь Кузнечик. Магнуссен, Эрик. Дания, 1907. Серебро, кораллы

предметного мира. Ювелирные украшения Ар Нуво, по выражению тех лет, «гарнировавшие» платье, представляются скорее декоративной пластикой, нежели функциональными предметами. Именно они положили начало развитию ювелирного дела как самодостаточного вида художественного творчества – искусства.

В рамках стиля Ар Деко начинают складываться основные принципы современного ювелирного искусства – отображение в художественных образах визуально значимого знака, мгновенно

Жесткий браслет. Буччеллати, Марио. 1924. Серебро, золото, рубины, сапфиры. 6,5 см, 6,0 см. Фирма Марио Буччеллати. Милан

воспринимаемого и узнаваемого. Отсюда чистота и ясность форм современных ювелирных украшений, приоритет авторских концепций, активное взаимодействие с художественно-образными системами авангардных направлений современного искусства.

Возникает вопрос: почему в современном ювелирном искусстве постоянно возникают реминисценции культур Древнего мира? Воспроизводятся не только их внешние признаки или мотивы, как это было на протяжении предыдущих столетий, а основные, принципиальные эстетические постулаты.

Пояс. Чилингарян, Левон Саркисович. 1976. Серебро; филигрань, зернь. Ереван

Ответ на него дает внутренняя эволюция этого вида художественного творчества. Логика построения художественной формы современного ювелирного украшения, так же как и в древности, диктуется формами фигуры человека. Чем теснее эта связь, тем чище форма украшения, чем слабее, тем она велеречивее. Коренной перелом в осмыслении роли и места ювелирных украшений в художественной культуре происходит в ХХ столетии, когда научные достижения, значительно расширившие границы непознанного, стимулировали формирование новой художественно-образной системы, опирающейся на реалии новой технократической эпохи. Современный художник-ювелир оказался перед необходимостью искать новые, адекватные этому времени формы. История ювелирного искусства завершила очередной виток своего пути.

Превью: Браслеты для щиколоток. Начало 19 века, Индия. Золото, бриллианты, рубины, бирюза, эмаль. Лондон

LiveJournal

Ювелиры Древней Руси

Русское ювелирное искусство имеет великую историю. Свидетельством тому выступают современные археологические раскопки: качество и тонкость работы древних умельцев поражают и теперь. Ювелирное искусство Древней Руси было подвержено влиянию скандинавской, восточной и византийской культур, и в то же время неразрывно связывалось с народными обычаями и традициями.

Мастера из всех уголков Киевской Руси прекрасно владели сложнейшими техниками, в том числе художественным литьем, сканью и золотой наводкой. Великий Новгород славился своими украшениями из драгоценных металлов. Киевские ювелиры с необычайным умением обрабатывали самоцветы. Самыми распространенными украшениями были так называемые височные кольца, которые вплетались в прическу или подвешивались к головным уборам. Также женщины носили разнообразные браслеты и бусы с подвесками.

Ювелирное искусство!

Ювелирное искусство это!

Ювелирное искусство это один из древнейших и широко распространённых видов декоративно-прикладного творчества, результатом которого является создание ювелирного изделия. Характерной особенностью и характерным признаком ювелирного искусства является использование при изготовлении ювелирных изделий драгоценных камней и металлов.

Ювелирное изделие это!

Ювелирное изделие — это изделие из драгоценных металлов и камней (например: кольцо, серьги, браслет, колье, брошь, настольные украшения и тому подобное).

Основной характеристикой ювелирных изделий является наличие работы мастера (ювелира), который создаёт изделия.

Ювелирное искусство. История ювелирного искусства.

История ювелирного искусства берет свое начало с тех времен, когда древние люди, вне зависимости от культуры и религии, носили украшения как знак самовыражения, демонстрируя свое богатство, социальный статус или принадлежность к определенному народу. Специалисты, основываясь на археологических данных, пришли к выводу, что первые ювелирные изделия использовались еще 40 тысяч лет назад кроманьонцами, предками Homo sapiens.

Для древних людей ювелирные изделия имели совсем не ту ценность, которую имеют сегодня для нас. Они верили, что драгоценности несут определённый магический смысл, что они каким-то образом защищают нас от злых чар и колдовства, от огорчений и даже от физических нападений. Частично эта традиция сохранилась и по сей день.

Будучи теснейшим образом связанным с меняющимися условиями исторического быта (например, со спецификой стилей одежды), изделия ювелирного искусства играли роль своеобразных знаков, выявляющих социальный статус их владельца, а также имели (в функции Амулетов) магический смысл.

В процессе исторического развития социально-престижное значение изделий ювелирного искусства чаще всего вытесняло связанные с ними религиозно-магические представления.

Ювелирное искусство Древней Греции.

Первые упоминания о драгоценных металлах и камнях в Древней Греции восходят к 14 веку до нашей эры.

В Древней Греции существовало поверье, что золото обладает особой магической силой. Золотые украшения (как те, что носил покойный при жизни, так и специальные золотые маски, венки, нагубники и наглазники) помещали в погребения, стремясь воздать последние почести усопшему и отогнать от него злые силы.

Широкую известность в истории ювелирного искусства имеет так называемый «клад царя Приама», найденный знаменитым немецким археологом Генрихом Шлиманом в 1873 году при раскопках Трои. В этот клад входили 24 ожерелья, шпильки для волос, шейные гривны, браслеты, серьги, височные кольца, налобная золотая лента и две великолепные золотые диадемы.Эти предметы представляют собой подлинный шедевр микенского ювелирного искусства, свидетельствуя о высоком мастерстве древних умельцев.

К 300 веку до нашей эры греки начали изготавливать разноцветные ювелирные украшения, используя изумруды, гранаты, аметисты и жемчуг. Они также создавали шедевры из камней, стекла и глазури. В это время становятся популярны такие ювелирные изделия, как гравированные броши, медальоны из индийского сардоникса.

Ювелирное искусство Древнего Египта.

В Древнем Египте основным материалом для изготовления ювелирных украшений было золото. Древнеегипетские ювелиры применяли различные техники его обработки, умели также с помощью различных добавок изменять цвет золота — от белого до зелёного и розового.

Золотые браслеты, кулоны, ожерелья, серьги, диадемы, кольца, различные украшения на голову, нагрудные украшения и ожерелья-ошейники — всё это изготовляли в Древнем Египте, на земле фараонов.

В ювелирных украшениях Древнего Египта ценились не только сам металл, но и красивая цветовая гамма, причём предпочтение отдавалось ярким, насыщенным цветам. Их отделывали вставками из цветного стекла (так называемой пасты) и поделочных камней, таких, как сердолик, малахит, лазурит и др. А вот тех камней, которые мы сейчас считаем драгоценными — алмазов, рубинов, сапфиров — египтяне не знали.

Ювелирное искусство в Средние века.

В средние века основным заказчиком ювелирных изделий стала церковь. Складные алтари, причастные чаши, различные сосуды, оклады икон и книг, изображение святых, сцены из жизни Христа — вся эта роскошная церковная утварь производилась в те времена в немалых количествах. Особенно необходимо отметить украшения окладов книг, которые хранились в монастырях и соборах как реликвии. В центре и по углам окладов книги обычно располагали рельефный орнамент из чеканного металла и слоновой кости в окружении изображений святых. Между пластин помещали яркие самоцветы, закрепляя их в высоких гнездах или окружая филигранным ажуром. Основным средством декора ювелирных изделий того времени была эмаль. Соперничая с самоцветами, она давала тот же эффект драгоценной многоцветной поверхности предмета. Наибольшее распространение эмали получили во Франции и Германии.

Изделия средневековых мастеров часто производят впечатление перегруженности яркими выпуклых форм камнями (рубином, изумрудом, сапфиром, жемчугом), но встречаются экземпляры, украшенные такими самоцветами, как горный хрусталь, топаз, аметист, гранат.

Личные украшения простых жителей средневековой Европы почти не сохранились до нашего времени. Диктуемая церковью доктрина аскетизма — отрицание радостей земного существования — выразились в предельной простоте костюма, скрывавшего очертания тела, в сокращении количества украшений.

Ювелирное искусство Эпохи Возрождения.

Для работ ювелиров 14-го века характерны уже иные признаки. Геометрическая четкость конструкций, богатство растительных узоров, многоцветие прозрачных эмалей отражают особенности так называемой пламенеющей готики — этого крайнего выражения тенденции к устремленности вверх, к дематериализации и растворению конструкции в кружеве шпилей, в маленьких стреловидных выступах.

В начале 15-го века в значительном количестве ювелирных изделий чувствуется стремление мастера ослабить влияние избыточной декоративной орнаментики, более рационально использовать пространство, ввести светские сюжеты. Появляются ювелирные изделия светского назначения.

Судя по историческим документам, наряд знатной дамы в Германии или Нидерландах 15-го века состоял из платья с узкими рукавами, высоко подпоясанного, а поверх платья набрасывался плащ. Застежки, край корсажа или плаща, широкий пояс декорировались жемчугом или небольшими эмалированными бляшками, а то и драгоценными камнями. На пояс подвешивались ножики, четки, кошельки, ключи. Несколько перстней украшали пальцы обеих рук.

В 15-ом веке, знать, и мужчины, и женщины, носили золотистые цепи. Мужские плащи, шляпы, обувь, особенно пояса, украшали так же богато. В конце 15-го века расцветает новая техника эмалирования: ювелиры открыли, что эмаль можно накладывать послойно на уже эмалированную и обожженную поверхность. При всей сложности технологии росписи эмаль, или финифть, получила широкое распространение, почти вытеснив другие способы и сблизив эмалирование с живописью.

В ювелирномискусстве 16-го века расцветает искусство эмалевой портретной миниатюры. В лучших работах, выполненных в технике расписной эмали, поражает тонкое композиционное чувство мастера: живописный оригинал использован в органической связи с формой предмета и его назначением.

Внешним проявлением стиля ювелирного искусства этого времени оказался культ античности. Используя подлинные вещи, найденные при раскопках, ювелиры, возрождая изделия, не оставляют их неизменными: применяя в качестве нового декора оправы из золота, самоцветы и эмали, придают возрожденным изделиям несвойственную античности яркость, что создает ощущение богатства материалов, декорирующих элементов.

Мастера виртуозно объединяют жемчуг, золото, эмали, обогащая каждый из этих материалов. Например, на шейке и крыльях лебедя одной из подвесок 16-го века белая эмаль наложена так, что просвечивает золотая основа и создается впечатление чешуйчатой поверхности.

В 16-ом веке впервые важным акцентом декора в подвесках становятся алмазы. Ограненные в виде пирамиды, они вставляются в глубокие закрытые оправы, а с конца 16-го века и в более плоские. Снизу оправы почти всегда имеют вид коробочки. В многоцветных сочетаниях с рубинами и изумрудами под алмазы часто подкладывают цветную или серебряную фольгу. Цветной фон используют и для усиления интенсивности цвета других камней.

Со второй половины 16-го века мужчины и женщины Европы (особенно в Испании) носили на шляпах броши и пряжки, знаки святых либо инициалы. Наряду с большими цепочками в моде были и тонкие цепочки с медальонами. Серьги в виде подвесок из жемчужин или в виде цветов были обычными украшениями дам, хотя мужчины зачастую украшали себя колечком в одном ухе. Перстни же носили на всех пальцах обеих рук, и каждый перстень мог иметь какое-либо смысловое значение.

Работы ювелиров 16-го века определили дальнейший путь развития европейского ювелирного дела. Мастеров этой эпохи отличали великолепно развитое чувство формы, умение использовать возможности каждого материала, фантазия в выборе сюжетов, которые они сумели соединить со свободой исполнения труднейших технологических операций.

Лучшие черты искусства ювелиров Возрождения — индивидуальность каждого изделия, его художественная значительность и неповторимость.

Ювелирное искусство Нового времени.

С начала и до середины 17-го века главным формообразующим элементом ювелирных изделий является цветочный мотив: подвески в виде цветка с лепестками-самоцветами; цепи, звенья которых напоминают целые гирлянды цветов; оправы с эмалевыми или черневыми растительными узорами или просто натуралистическое изображение цветов на плоских коробочках и медальонах. Сочетание белого фона с узором из роз, гвоздик, модных тюльпанов применяют ювелирные мастера Дании, Голландии, Германии, закрывая гладкое золото более красивым и более дорогим, по их мнению, эмалевым ковром.

Начиная со второй половины 17-го века эмаль в оправах оттесняется на второй план. Это связано с тем, что ведущую роль в декоре стали играть драгоценные камни и, прежде всего – алмаз.

Гранёный камень стал центральным акцентом ювелирных украшений. Ювелиры того времени делают акцент на блеске и игре камней. Эта черта европейского ювелирного искусства почти не имела аналогий в древней или неевропейской традиции.

17-ый век, в европейском ювелирном искусстве, называют «Веком цветка и алмаза».

Знаменитой работой 17-го века, поразившей современников своей грандиозностью, стала известная настольная многофигурная композиция «Великий Могол», своеобразная дань увлечению восточной тематикой. Великий Могол (индийский правитель), его гвардия, слуги, гости и слуги гостей, вьючные животные — весь пышный двор сказочного восточного царя представлен в виде небольших фигурок из золота в ярких эмалевых одеяниях. Бахрома балдахина, орнаменты оружия, детали одежд выполнены с большим техническим мастерством, драгоценные камни усиливают блеск золота и эмалей. Удачно использован тёмный агат с естественными белыми разводами, изображающий ковер за спиной Могола.

Ювелирное искусство и брилианты.

На рубеже 17-го и 18-го веков в уже сложившемся облике европейских ювелирных украшений появляется «новый элемент» — алмаз, огранённый особым способом и названный бриллиантом, в переводе — «сверкающий».

Светоносный бриллиант становится основным акцентом изделия, его достоинства ярче выявляются в сочетании с цветными камнями и общей легкостью конструкции. Лучшим ювелирным изделием 18-го века, в котором использованы бриллианты в их наиболее выигрышном виде, считается императорская корона Екатерины II.

Важным элементом формообразования ювелирных изделий в 18-ом веке были мотивы цветочных композиций. Это были довольно сложные украшения, целиком составленные из цветов и листьев, которые выполнены из драгоценных камней, золота, серебра. Некоторые украшения-букеты подобраны из ярких камней: аметистовые тюльпаны, рубиновые розы, аквамариновые ромашки, бирюзовые незабудки.

Ювелиры 18-го века в своих работах широко использовали приемы литья и чеканки, ручной и машинной гравировки, применяли матовое и блестящее золото, а также золото зелёного, жёлтого и красного цвета, опалесцирующие эмали, перламутр, гравированный и гладкий, с локальными накладками и мозаичный.

Перстни в18-ом веке носили и мужчины, и женщины. Перстни с резными камнями употребляли в качестве печатей и для обозначения ранга владельца. Из гладкого золота в сочетании с аметистом, рубином, сапфиром изготовляли перстни для епископов. Кольцо главы церкви — Папы Римского — украшали фигурки святого Петра в ладье. Знаками папских послов служили крупные перстни из бронзы или меди с недорогим камнем или стеклом и священным изречением, нанесенным методом гравирования. Существовали посольские перстни и особые кольца членов купеческих гильдий.

Сохранившиеся ювелирные украшения конца 18-го века свидетельствуют о получившем развитие в ювелирном искусстве стиле под названием «классицизм». Для ювелирных украшений этого стиля характерны уравновешенность и строгая симметрия.

В 1789 году произошла французская революция, и с французской сословной структурой общества было покончено.

Начался этап новых социальных революционных преобразований в Европе и по всему миру.

Ювелирное искусство с этого времени стало ближе и доступнее для обычных людей.

Ювелирное искусство и сегодня остаётся одним из средств формирования целостной художественной среды, позволяющей одновременно подчеркнуть и красоту исходного материала, и изысканность его обработки.

Ювелирное искусство. Современное ювелирное искусство. Изделия ювелирного искусства.

Ювелирное искусство современности.

Ювелирное искусство. Современные тенденции в ювелирном искусстве

Сегодня ювелирные украшения рассматриваются в качестве одной из ярких форм художественного творчества. А о ювелирном мастерстве принято говорить как об искусстве.

Ювелирные предприятия используют все более профессиональные инструменты, а материалы, служащие основой украшения, становятся разнообразнее и доступнее. Многие ювелирные изделия, которые сегодня создаются из синтетических материалов, зачастую, даже соперничают с самыми дорогими камнями и металлами, подаренными нам природой. Но, конечно же, натуральные драгоценные камни еще не скоро потеряют свое лидерство не только на рынке, но и в самом искусстве.

Ювелирное искусство стало больше подразумевать именно творческое и художественное самовыражение художника.

В современном ювелирном искусстве продолжают появляться и развиваться новые оригинальные тенденции, что увеличивает разнообразие прекраснейших произведений мирового ювелирного искусства.

Ювелирное искусство. Ювелирные изделия. Изделия ювелирного искусства. Стили ювелирного искусства. Ювелирные украшения. Женские ювелирные украшения. Произведения ювелирного искусства. Шедевры ювелирного искусства. Высокое ювелирное искусство.

Москва. Брачное агентство в Москве

Женский сайт: Я-самая-красивая.рф (www.i-kiss.ru)

Русь в XIV – XVII веках

С пришествием татаро-монгольских полчищ ювелирное дело оказалось позабыто почти на целое столетие. Многие мастера погибли или были увезены для работы у ордынских правителей. Лишь к концу XIV века начинается постепенное возвращение к древнему искусству. Центром ювелирного ремесла становится Москва, где большой популярностью пользуется техника серебряной скани.

В XVI – XVII веках ювелирное искусство активно использует эмаль и самоцветы. Украшениям этого периода присущи богатство, красочность и насыщенность цветов. Камни тоже отличаются яркостью – в почете сапфиры, рубины, изумруды. Это время называют расцветом техники чернения. Во многих городах создаются центры серебряного дела.

Европейское ювелирное искусство XVIII века

В XVIII веке господствующими стилями были барокко и рококо. Это относится и к ювелирным украшениям. Модными становятся причудливость, пышность и яркие цвета. При этом лидирующую позицию занимает французское ювелирное искусство. Именно тогда украшения приобрели свой современный вид. В моду постепенно входят ювелирные ансамбли, большой популярностью у состоятельных персон пользуются крупные броши. Самым любимыми камнями оказываются бриллианты желтоватых, розоватых и голубоватых оттенков, при этом они используются как в мужском, так и в женском костюме.

Расцвет ювелирного бизнеса в Европе: ювелирные дома, ставшие брендами

К XIX веку, когда способы обработки камней значительно усовершенствовались, в Европе сложились основные династии ювелиров, которые стали открывать торговые дома. Основная масса из тех, что выдержали проверку временем, работают по сей день. Конечно, не все из них остались династическими, это довольно трудная задача в условиях современного рынка, но узнаваемый фирменный стиль у тех, что дожили до современности, сохранился. Теперь это полноценные ювелирные бренды, задающие тенденции в мире ювелирной моды, имеющие сети бутиков по всему миру.

К числу ювелирных домов, которым удалось создать узнаваемую «визитную карточку», неповторимый стиль, можно отнести французский Mauboussin, основанный 1827 году. Ювелиры дома сделали популярными необычные по геометрии драгоценности в стиле ар-деко, инкрустированные россыпями разноцветных камней – рубинов, изумрудов и сапфиров.

Десяток лет спустя, в Америке, Чарльз Льюис Тиффани открыл ювелирный дом, который специализировался на бриллиантах. Славу Tiffany&Co сделало придуманное в 1886 году обручальное кольцо из белого золота, усыпанное бриллиантами и с крупным камнем по центру – Neil Lane. А запатентованные нежно-бирюзового цвета коробочка для украшений, белая ленточка и надпись Tiffany Blue Box сделали бренд ещё более узнаваемым и популярным в обеспеченной среде.

В 1842 году в Петербурге был учрежден ювелирный дом Карла Фаберже, который продавал свои работы и русскому двору, и многим другим правящим династиям. «Изюминкой» работ ювелиров этой династии было использование при создании драгоценностей и предметов роскоши горного хрусталя, нефрита, лазурита и прочих видов кварца, которые придавали изделиям невесомый и нежный вид. Наибольшую популярность получила коллекция из пятидесяти двух пасхальных яиц, созданных для русской императорской семьи.

Пять лет спустя во Франции открылся ювелирный дом Cartier, который снискал успех во многих королевских домах по всему миру. С 1888 года визитной карточкой бренда остаются женские часы-браслет, украшенные бриллиантами. Основные мотивы украшений от Cartier сложились вокруг абстрактных и геометрических узоров в стиле ар-деко.

По части всего утончённого и изысканного Франция всегда лидировала. Ювелирное дело – не исключение. В 1858 здесь был основан знаменитый ювелирный дом Boucheron, украшения которого и поныне отличаются яркой гаммой и легко читаемыми восточными акцентами. Часто ювелиры этого дома создают на украшениях образы различных животных, например, змей или птиц.

Когда говорят «Швейцария», в числе первых ассоциаций появляются «точные часы» и «шоколад». Но, если шоколад к ювелирному делу отношения не имеет, то вот часы как раз могут стать истинным ювелирным арт-объектом. В 1860 году в Швейцарии Луи-Улиссом Шопаром была основана часовая фабрика Chopard, которая в начале XX века начала специализироваться на изготовлении не просто качественных и точных часов, а часов из драгоценных металлов. В последнее время компания создаёт и иные ювелирные украшения в аристократически выдержанном стиле.

Пару десятилетий спустя после открытия швейцарского Chopard, в Киеве на пик популярности вознеслась фабрика ювелира Иосифа Маршака, начавшая свой путь в 1878 году. Мастера фабрики творили в ключе «псевдорусского стиля», всегда тяготели к созданию крупных ярких украшений с объемными флористическими рисунками, причудливыми животными. Ещё одна характерная черта – необычное, идущее вразрез с традициями, сочетание материалов (бриллианты и янтарь, стекло и драгоценные металлы).

Несколько брутальные по стилистике украшения ввёл в моду итальянский ювелирный дом Bvlgari, основанный в 1884 году греком Сотирио Вульгарисом. Благодаря ювелирам дома в число трендовых элементов декора ювелирных украшений вошли греко-римские мотивы. Знаковой вещью, брендовую принадлежность которой можно признать издалека, стали широкие массивные кольца, инкрустированные бриллиантами, с гравировкой названия «Bvlgari» по окружности.

Всего год спустя после открытия в Италии этого ювелирного дома, Мадрид заявил о себе появлением Carrera & Carrera, где создавали необычные украшения, призванные символизировать верх роскоши. С середины XX века фирменным стилем Carrera & Carrera стало перенесение принципов скульптурного искусства на платформу ювелирного, а также уход от глянца, придание изделиям матовости. Визитная карточка – часы с невероятными художественными решениями для циферблата.

Конец XIX века был ознаменован появлением в 1893 году японского ювелирного дома Mikimoto, а в 1896 году во Франции появился Van Cleef & Arpels. Первый занимался и занимается производством украшений из жемчуга, а второй придумал особый способ инкрустации – «тайное обрамление», благодаря которому металла вокруг камней почти не видно, в результате чего именно драгоценные камни остаются в центре внимания. Фирменный стиль Van Cleef & Arpels наиболее проявляется в знаменитом колье «Альгамбра», состоящем из четырёхлистников, декорированных цветными драгоценными камнями.

Век XX, с его быстро меняющимися тенденциями в мире моды, был отмечен рождением целой плеяды ювелирных брендов, некоторые из которых открывались прямо при домах знаменитых кутюрье. В числе популярных и в наши дни можно назвать такие бренды как Herry Winston, Versace, Nina Ricci, Chanel, Dolce & Gabbana, Dior, Roberto Cavalli и некоторые другие.

Русь в XVIII веке

В России в XVIII столетии ювелирное искусство расцвело. Это произошло во многом благодаря реформам Петра I. С тех пор ювелирное дело активно заимствует европейские тенденции, при этом сохраняя свою самобытность. В Россию нередко приезжают заграничные мастера. Среди них – известный Жереми Позье, который проработал при дворе тридцать лет и создал истинные шедевры ювелирного искусства. Лучшей его работой по праву считается Большая императорская Корона, выполненная для Екатерины II. Уникальное в своем роде изделие насчитывает почти пять тысяч бриллиантов. Сейчас эту реликвию тщательно бережет уникальный музей ювелирного искусства – Алмазный фонд в Москве.

В целом использование драгоценных камней становится популярным именно в это время. Сверкающие, яркие, великолепно обработанные и оформленные, они прекрасно дополняют и украшают пышные наряды знатных дам и вельмож.

Интересно, что и само слово «ювелир» также вошло в употребление в XVIII столетии. Оно заменило достаточно длинное название «золотых и серебряных дел мастер».

LiveInternetLiveInternet

История украшений берет начало в истоках человеческой истории. Сначала самоцветы носили в том виде, в каком их находили в природе. Потом стали обрабатывать их для усиления блеска, красоты, вырезать на камне различные рисунки, тексты. Каждая эпоха создавала украшения по-своему, и не только с точки зрения присущего ей стиля, но и в том, что касалось выбора материала, способа обработки, дизайна. В древности главным образом Египет, Греция, Рим, позднее Византия существенным образом определяли эволюцию украшений. Сохранившиеся до наших дней ювелирные изделия дают представление о традициях, вкусах и мастерстве ювелиров прошлого. В прошлом отделка ювелирных камней была крайне грубой, и той отделки и огранки камней, которая появилась в средневековье, раньше не было. Резьба по камню (глиптика) уже в VI в. до н. э. достигла своего расцвета в Греции; в Риме глиптика тоже была популярна (хотя берет свое начало еще в государствах Междуречья). В Европе глиптика появилась только в начале XIV в. Высочайшего совершенства достигло мастерство изготовления гемм — инталий (углубленное резное изображение) и камей (выступающее резное изображение). На них вырезались грациозные фигурки, женские головки, целые сцены, прославлявшие властителей древнего мира.

«Живопись в камне» — так метко назвал один из археологов XIX в. рельефные многоцветные камеи, вырезавшиеся из сверхтвердых минералов. С давних пор вплоть до восточных походов Александра Македонского (вторая половина IV в. до н.э.) мастера предпочитали углубленную резьбу печатей, дававших на оттиске в глине и воске миниатюрные рельефы. Самые ранние камеи вырезались на одноцветном минерале: гранате, гиацинте, аметисте, но скоро резчики обратились к многослойным минералам, позволявшим использовать более широкую гамму тонов и их переходов, учитывая тончайшие особенности камня. Первые камеи из многослойного агата, по-видимому, начали вырезать в Александрии, при дворе Птолемеев (конец IV—III вв. до н. э.). Многие из них были очень крупными и не могли использоваться ни в качестве печати, ни в виде амулета. Это были редкие заказные работы, служившие царскими дарами в храмы или дополнявшие пышный головной убор владык. Агат твердостью превосходит сталь, поэтому резчик должен был использовать еще более твердые материалы в качестве абразива. Размельченный корунд или алмаз при быстром вращении врезался в поверхность камня, и таким образом вырезалось изображение. Труд резчика был настоящим подвигом. Крупные камни — это подлинные картины из агата, они требовали многолетней работы. Древние мастера чаще всего обращались или к арабскому сардониксу с его гаммой холодных серо-голубых тонов, или к сардониксу индийскому, в котором преобладали теплые коричнево-красные оттенки. Из арабского сардоникса была создана всемирно известная «Камея Гонзага», индийский был использован создателем камеи с головой Зевса для княгини Голицыной. В этих шедеврах, составляющих гордость коллекции Эрмитажа, безымянные александрийские резчики III в. до н.э. использовали все средства искусства, соединявшего в одно целое пластику и живопись, рельеф и цвет. Меняя полировку поверхности камня, они умели придать, например, шлему холодный блеск металла, а лицу — тепло живой плоти. Меняя толщину верхнего светлого слоя минерала, мастер, словно живописец, прибегающий к технике «лессировок», заставлял просвечивать сквозь него нижний, темный слой. Так создавалось впечатление игры света и тени, обогащалась цветовая гамма изначально двух- или трехслойного агата — сардоникса.

До нас не дошли имена александрийских резчиков, создавших крупные династические камеи эпохи ранних Птолемеев (III—II вв. до н. э.), но для эпохи позднего эллинизма (I в. до н. э.) мы имеем подписанные работы. Кроме александрийской школы, в это время процветают мастерские Малой Азии и Северного Причерноморья.

Античные камеи хранились в специальных галереях при святилищах, в самих храмах как ценнейшие дары божеству, в императорском Риме — во дворцах цезарей, в особняках и на виллах знати. Они были труднодоступны. Древние поэты с удивлением сообщают о людях, совершавших долгое морское путешествие, чтобы увидеть тот или иной шедевр. Вполне понятно их желание приобрести копию этого шедевра. Поэтому иногда одна и та же композиция доходит до нас в нескольких вариантах. Есть случаи, когда мы обладаем воспроизведением одной и той же картины одновременно на геммах, рельефах из мрамора и терракоты, в светильниках, на монетах и декоративных фресках.

Многоцветные камеи в ящичках дактилиотек античных коллекционеров, видимо, составляли своего рода портативные галереи миниатюрных репродукций живописи. Огромная твердость материала, из которого исполнялись камеи, превосходящего по своей твердости сталь, казалось, должна была навсегда предохранить их от разрушения. Однако произведения глиптики иногда вторично поступали на обработку резчиком. Особенно участились переработки древних камей с победой христианской идеологии, когда старому языческому содержанию стремились придать христианский смысл. Именно с такими переделками и переосмыслением связана вторая жизнь античных камней в средние века. Особенно усиленно стали перерабатывать древние камеи в XVI-XVIII вв., в эпоху расцвета глиптики нового времени. Иногда это была ретушь поверхности, частично разрушенной временем, иногда мастер отваживался вырезать на обороте собственноручное изображение, иногда добавлялись надписи. Порой же речь шла о полной радикальной переработке.

Основное ядро коллекции Эрмитажа было составлено во второй половине XVIII в. Камеи составляли предмет особых забот Екатерины II, свою страсть к их собиранию она шутливо называла «камейной болезнью», а свою большую коллекцию — бездной. К концу XVIII в. ее коллекция глиптики насчитывала 10 тысяч экземпляров. История Эрмитажного собрания может быть воссоздана с большой полнотой благодаря счетам, а также письмам и дневникам императрицы и ее ближайшего окружения. Самое значительное приобретение было сделано в 1787 г. Это собрание герцога Луи-Филиппа Орлеанского — одна из самых известных коллекций Европы. В 1795 г. Екатерина II с законной гордостью писала: «Все собрания Европы по сравнению с нашим представляют собой лишь детские затеи». Внук Екатерины II, Александр I, не только унаследовал любимую коллекцию бабки, но и приумножил ее. В России становится традицией для пополнения дактилиотеки Эрмитажа дарить или завещать в дар древние геммы, эти редкие создания античного искусства. После 1917 г. в результате национализации собраний петербургской знати в Эрмитаж попали камеи из бывших коллекций Строгановых, Юсуповых, Шуваловых, Нелидовых… Многие из камей, составивших эту уникальную коллекцию, по праву принадлежат к числу прекраснейших произведений искусства, когда-либо вышедших из рук человека.

Средневековье переняло это наследие античности, однако скоро вышло на свой собственный путь и стало использовать резные камни как в светской жизни, так и для украшения церковной утвари, церковных книг и облачений священнослужителей. Их носили высокородные женщины в виде застежек на одеяниях или в виде медальонов. Руку средневекового аристократа часто украшал перстень с печаткой с вырезанным в камне изображением. В эпоху Возрождения глиптика пережила новый расцвет, и многие известные мастера той поры создали в этой технике произведения искусства высочайшего уровня.

В венском Музее искусств можно увидеть брелоки, сделанные из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами, в центре которых располагается агатовая головка. Это мавританские камеи, которые пользовались большим успехом в конце XVI в. В них видна естественная бороздчатость камня, изображение экзотической природы и, конечно же, изящная эмалировка в мавританском стиле. Коллекция античных и средневековых камей есть и в Парижской национальной библиотеке.

В то время как искусство резания камней еще в античности достигло своего апогея, гранение развивалось медленнее и в античную эпоху намного отставало от глиптики. Наиболее простой и употреблявшейся еще в древние времена формой обработки камня является огранка кабошоном. В раннем и зрелом средневековье кабоширование было единственным способом обработки драгоценных камней. Сегодня же подобным образом отделываются, как правило, непрозрачные или полупрозрачные декоративные камни. В XIV и XV вв. распространяется шлифование таблицей, в XV и XVI вв. появляется фасетирование. То, что мелко растолченный алмаз является непревзойденным средством огранки — это первым открыл гранильщик Карла Смелого Бургундского Луи де Беркен из Брюгге, чем и обусловил взлет гранильного дела. Он наиболее полно выявил одно из важнейших свойств алмаза: способность преломлять свет, которой в такой мере не обладает ни один другой камень. После этого огранка начала свое подобное шествие и появилось множество ее видов. В XVII в. алмаз сделался основным украшением. Гранение алмазов привело к тому, что в XVIII в. искусные ювелиры вправляли в броши, султаны, кольца и др. украшения мерцающие бриллианты в виде цветов, ветвей и бантов. В Европе стали изготовлять целые гарнитуры драгоценностей, которые состояли из ожерелья, серег, броши, браслетов, а иногда и диадемы.

Уже в древности существовала имитация драгоценных камней. Редкие и драгоценные камни заменялись похожими, но более доступными и дешевыми суррогатами. Еще древние египетские мастера умели делать имитацию камней — цветные непрозрачные стекла, смальту. С помощью изготовления определенной оправы можно было преподнести и «обыграть» дефектный камень так, чтобы он казался безупречным по чистоте и дорогим экземпляром. С помощью отражающей свет фольги увеличивали сияние бесцветных и прозрачных алмазов. Ренессансный художник и златокузнец Бенвенуто Челлини прославился умением изготовлять превосходную фольгу, которая заметно увеличивала сверкание драгоценного камня. В других случаях посредством склеивания двух камней достигали обманчивого единства и видимости высокого качества. С помощью обжига цвет многих камней можно было изменить. Например, матово-голубой сапфир после обжига становился водянисто-светлым и служил для имитации алмаза. Во все времена стекло применялось в качестве дешевого заменителя благородных камней. Сорта стекла, которые отличаются повышенным оптическим преломлением и в огранке дают богатую цветовую игру, могут, во-первых — окрашенные окислами металлов — использоваться для имитации цветных драгоценных камней, во-вторых — в бесцветном состоянии — служить заменителями алмазов в дешевых украшениях. Основой современной имитации благородных камней посредством стекла служат стразы, бесцветная стеклянная масса из окиси железа, глинозема, извести и окиси натрия, сплав которой впервые в 1758 г. получил венский златокузнец Иосиф Штрассер. Это был особый сорт стекла, который в обработанном виде выглядит как бриллиант. Оно под названием «страз» проникло на мировой рынок. Псевдобриллианты по внешнему виду приближаются к подлинным, но специалисты достаточно легко различают их по твердости, не говоря уж о методах инструментальной диагностики. При долгом ношении этих украшений на них появляются следы износа и блеск их со временем слабеет.

Надо сказать, что огромное значение для драгоценного камня имеет и подходящая оправа. Как в древности, так и в настоящее время для оправы обработанных камней используют прежде всего благородные металлы и лишь изредка — неблагородные, которым посредством соответствующей обработки поверхности придавали должный вид (например, позолоченная медь). В принципе можно различить два вида оправы: ранняя, гнездовая оправа, известная еще в древности; и более поздняя, известная с конца X в., — ажурная, сквозная, которая не имеет донца и оставляет камень открытым с обеих сторон. Все минувшие столетия не смогли изменить основные виды оправы драгоценных камней, и до сих пор мы имеем дело все с теми же разновидностями первоначальных форм.

Центральное место в ювелирном деле средневековья занимают фибулы, которые с бронзового века использовались почти всеми европейскими народами. В ходе столетий они претерпели изменения от простой крепежной булавки для скрепления одеяний до роскошно отделанной вещицы.

В XIII в. появляются изящные аграфы — это застежка на шейном вырезе женского одеяния. Часто они были покрыты любовными надписями и девизами. Изготовлены из золота, серебра, драгоценных камней.

Запонки для вельмож, которые великолепно изготавливались в Трансильвании, оттуда распространялись по всей Европе. Самым распространенным церковным украшением была скрепа завесы клироса.

К XVII веку фибулы, аграфы и пр. появились в виде брошей в модных украшениях того времени. В XVIII веке броши, усыпанные бриллиантами, стали последним криком моды. Предпочитались броши в форме лент, букетиков цветов. К концу XVIII в. появляются броши с миниатюрными портретами в золотой оправе с жемчужной каймой в форме круга или овала. Позже в брошах стали носить локоны друзей, портреты и т. д. Надо отметить еще одну немаловажную деталь туалета жителя средневековой Европы — это шляпные пряжки, пряжки на обуви и пряжки для штанов, часто драгоценные, со вставными бриллиантами. Были распространены и подвески. Древние европейские подвески (раннее средневековье) были круглыми и плоскими, украшенными эмалью, цветными драгоценными камнями или жемчугом и выражали прежде всего религиозные чувства носивших их людей. Лишь с XV в. подвески начинают встречаться чаще. Они отделаны слоновой костью и перламутром, на которых часто вырезали рельефные изображения Мадонны с младенцем или фигуру небесного покровителя. В эпоху Ренессанса подвески оставили далеко позади все родственные украшения. Ренессансные подвески украшались эмблемами, фигурами и сценами из религиозной жизни, сценами из истории античности. Часто встречаются подвески в виде зверей, сказочных персонажей. Среди прочего использовали необычной формы жемчужины и камни в виде частей тела человека или животного. В XVII в. исключительное пристрастие к подвескам было надолго оставлено, стали носить подвески в форме креста. Их лицевая сторона украшалась бриллиантами, оборотная, как правило, расписывалась эмалью.

Надо сказать, что Италия, особенно Флоренция и Милан, были в период Ренессанса общепризнанными центрами ювелирного искусства. В частности, в XV—XVI вв. Милан был центром резьбы по хрусталю. Очень модным было делать голову животного из хрусталя (например, соболя), оправлять в эмалированное золото (вделанные рубины служили глазами) и прикреплять ее к дорогостоящему меху. Такое одеяние носили на плечах.

Вообще, XVI в. надо отметить особо. В это время было изобретено много новых ювелирных украшений. Например, на шее средневекового горожанина можно было увидеть брелок религиозного назначения. Это мог быть шарик из агата, оправленный в эмалированное золото, с вделанными рубинами и жемчугом. При раскрытии шарика появлялось изображение религиозного сюжета. Такие шарики делали также из древесины, самшита (в Англии, Голландии, Франции). Большие брелоки религиозного назначения с драгоценными камнями, часто с окошками для показа реликвий, пользовались немалым успехом в Испании в первой половине XVII в.

Брелоки в форме животных в XVI в. особенно были популярны в Испании. Такое животное, как правило, «восседало на подушке». Чаще всего это был орел. Или на брелоке могло быть изображение святого Якова, который особо почитался в Испании. Большим успехом пользовались брелоки в форме кораблей, выполненные в технике филигранной эмали, отделанные чаще жемчугом. Особенно были распространены с XVI по XVIII в. в Италии, в районе Эгейского моря и в Центральном Европе (Венгрия).

В XVI в. в Европе можно было увидеть среди украшений и брелоки-талисманы, например, в форме руки, сделанные из слоновой кости, оправленной в эмалированное золото, с вделанными жемчугом и бирюзой. Пальцы показывали кукиш. Еще с времен Римской империи этот жест у народов Средиземноморья означал «спугнуть дурной глаз». У испанского короля Филиппа II были такие брелоки из коралла. В Испании их чаще всего делали из слоновой кости и агата.

В Италии в это же время любили носить брелоки из декоративных камней с изображением обнаженного женского бюста.

Коллекционеры в XVI в. ценили не только ювелирные украшения, но и посуду из полудрагоценных камней вроде горного хрусталя, агата или лазурита. Богатая коллекция сосудов из лазурита, начиная с 1560 г., принадлежала представителям флорентийской династии Медичи, которые приглашали к себе во Флоренцию мастеров для своих гранильных мастерских.

В южной Германии в XVI в. также было несколько знаменитых ювелирных центров: Нюрнберг и Аугсбург, где работали выдающиеся ювелиры того времени, как, например, Венцель Ямницер. Большой популярностью у горожан в то время пользовалась столовая посуда: кубки из позолоченного серебра с вделанными драгоценными камнями (гранатами, изумрудами, сапфирами, рубинами). Их часто изготовляли по заказу для свадебных подарков. Пивные кружки из позолоченного серебра, украшенные кораллами, рубинами, изумрудами, жемчугом, бриллиантами, и другая посуда, обычно очень массивная, что было присуще нюрнбергским ювелирам в период Ренессанса. В XVI в. модным было делать кубки в форме кокоса и других экзотических фруктов.

Однако ничто не могло соперничать с женскими украшениями, мода на которые постоянно менялась. Так, в XVII в. начали встречаться жемчужные браслеты, носившиеся, как правило, попарно. Издревле большое значение среди предметов украшений имели серьги. Они носились не только женщинами, но и мужчинами, в частности воинами. С XVII в. серьги стали исключительно женским украшением. Сначала это были большие грушеобразные жемчужины, затем стали популярны нарядные серьги, которые с передней стороны отделывались драгоценными камнями, а с оборотной — эмалью. Стали встречаться слоновая кость, черепаха и декоративные породы дерева. Еще с XI в. до н. э. появилось упоминание о ношении колец (в индийском эпосе). Вначале, как уже упоминалось, кольцо было признаком власти, а не украшением. Это — перстни-печатки, кольца как знаки достоинства, и позже — кольцо как украшение, кольцо-талисман, кольцо-амулет. Кольца носили и служители церкви (поверх епископской перчатки на четвертом пальце правой руки). В XIV в. обыкновенно использовалась простая гладкая гнездовая оправа для камней, обработанных кабошоном, в то время как поздняя готика предпочитала кольца богатой выделки, украшенные эмалью и камнями. В XVII в. предпочитали в центральной части кольца большие граненые камни. Особенно большим вниманием в Европе в это время (в XVII—XVIII вв.) стал пользоваться красный карнеол и «моховой» агат, черно-белый и коричнево-белый оникс и многоцветные агаты. Резной камень до самого конца XIX в. оставался популярным украшением кольца, наряду с непрозрачными многоцветными камнями, которые часто использовались для изготовления камней. Своеобразное возрождение пережили также горный хрусталь, дымчатый топаз, аметист и розовый кварц, в которых часто вырезались инталии. Самым дорогим и самым красивым камнем для кольца на исходе XIX в. был «солитер» — большой бриллиант в платиновой основе. Кстати сказать, очень любопытно выглядели обручальные кольца в Европе в XVII в., например в Германии. Два кольца соединены вместе, сделаны из эмалированного золота со вставными бриллиантами и рубинами. Два обода при необходимости разнимаются. Вполне могла быть надпись на латинском, которая состояла из слов венчания — «что Бог сочетал, того человек да не разлучит». Такая двойная конструкция встречается, начиная с XIV в., а символ пожатых рук происходит от древних римских обручальных колец.

Нельзя не сказать об украшениях для волос, которые достигли своего апогея в XVIII в. В основном это диадемы, султаны, обильно украшенные жемчугом, драгоценными камнями, кораллами. В XIX в. и до начала XX в. были модны черепаховые гребни с высокой насадкой, украшенной драгоценными камнями, часто отделанные перламутром и жемчугом. К началу XVIII в. модным стало бриллиантовое колье, в среднюю часть которого вставляли смарагд или рубин. В виде медальонов стали носить геммы или камеи на черной бархатной ленточке.

Драгоценными камнями украшались и предметы обихода — флакончики для духов, футляры для иголок, молитвенные принадлежности и пр. Даже часы на шее в виде подвесок на декоративной цепочке, и те были буквально усыпаны драгоценными камнями. Кстати, во Франции, например, в XVI в., флакончики для духов, пряностей, ароматических смол делали из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами. Если вернуться к временам античности, то тогда ароматные эссенции готовились строго на заказ, были невероятно дороги и хранились в амфорах из агата, порфира, алебастра. Флаконы, похожие на сегодняшние, как, собственно, и парфюмерная промышленность, — изобретение XVII в. Пузырьки из стекла цвета янтаря и кобальта украшались жемчугом и гирляндами листьев. Вскоре пришла мода на перламутровые инкрустации, эмаль, затем на матовое богемское стекло с золотой филигранью, наконец, на тонкий парижский фарфор.

Надо отметить, что в середине XVIII в. в моду вошел восточный лак. Была изобретена техника пике, имитирующая лак. На самом деле работы выполнялись с черным перламутром пике, который имитировал лакировку.

В это время предметы домашнего обихода украшали с помощью этого технического приема, например, табакерки. Много было табакерок и из черепахового панциря, оправленного в золото.

В XVIII в. появилась техника настилания узорчатых плиток (пластинок) из полудрагоценного камня на предметы домашнего обихода. Например, на табакерках могли быть пластинки из красного железняка и круги из агата, вмонтированные в золото.

В первой половине XIX в. новые материалы, способы обработки, новые техники украшений и т. д. обогатили ювелирное дело. С конца XIX века искусство украшений приходит в упадок как с точки зрения ремесленного мастерства, так и во всех иных аспектах, и вместо тщательно и индивидуально изготовленных украшений появляются модные изделия серийного производства. Именно повышенный спрос на ювелирные изделия в первую очередь дал толчок в XX в. к развитию технологий массового выпуска ювелирной продукции. Развитие штамповки значительно снизило долю ручного труда в ювелирном производстве, а совершенство точного литья свело ручной труд к минимуму. Однако ручной труд не утратил своего значения окончательно, и лучшие образцы его по-прежнему ценятся очень высоко. В настоящее время помимо подражания лучшим образцам средневековья и другим произведениям ювелирного искусства прошлого наблюдается внедрение очень интересного современного ювелирного дизайна.

Нельзя не сказать несколько слов о ювелирном искусстве на Руси. Оно известно с первых веков христианства. Считается, что в это время Византия оказала большое влияние на русское ювелирное искусство, на искусство обработки благородных металлов. Это влияние прослеживается с XI—XII вв. и до XVI в. Особенно оно заметно в орнаментальных мотивах, присутствующих в ювелирных работах русских мастеров. На церковных украшениях этого периода можно было обнаружить византийские камеи. С XIV в. началась полоса расцвета ювелирного искусства в Великом Новгороде, Тотьме, Великом Устюге и других городах. С XVI в. появились сугубо русские, традиционные мотивы в произведениях русских ювелирных мастеров. К концу XVI в. в Москве, кроме русских и греков, стало появляться много других иностранных мастеров-ювелиров. Однако о целой отрасли, связанной с обработкой драгоценных камней (как и о горном деле), можно говоришь лишь с приходом на царство Петра I. По его указу в Петергофе была построена первая гранильная фабрика (в 1725 г.). Для обучения российских мастеров приглашались мастера из-за границы. При Петре I началось оформление ремесленников в цеховые организации. Появились ремесленные центры и при Московской патриархии, монастырях. До 1700 г. ювелирные произведения не клеймили нигде, кроме Москвы, тогда как в Византии клейма применялись с IV в. (из Византии этот обычай распространился по всей Европе). Широко начали применять клеймение драгоценных изделий в России в XVIII в. При Екатерине II ювелирное дело продвинулось вперед, ею было выстроено еще несколько шлифовальных фабрик. В XIX в. ремесленные цехи потеряли свое значение: их места заняли фабрики, торговые дома, артели. При фабриках стали появляться школы, где обучали ювелирному мастерству. На ювелирных изделиях стояли клейма с номером артели или торгового дома, иногда мог быть и именник мастера (но в основном имена российских мастеров можно было обнаружить в так называемых переписных книгах). Лучшие образцы российского ювелирного мастерства имеются в богатых собраниях Эрмитажа, Оружейной палаты.

До 1917 года несметные ювелирные сокровища хранились также в монастырях, церквях: на иконах, облачениях священнослужителей, церковной утвари и т. д.

Со второй половины XIX — начала XX в. крупные московские и петербургские ювелирные фирмы постепенно завоевывали русский рынок, вытесняя продукцию иностранных мастеров. Они были оснащены новым механическим оборудованием, имели возможность нанимать мастеров-виртуозов и пользоваться услугами лучших художников. Ведущую роль в русском и европейском ювелирном искусстве конца XIX — начала XX в. играла фирма Фаберже, имевшая отделения в нескольких городах России и за рубежом. И до сих пор остается только поражаться совершенству исполнения и удивительной фантазии ее мастеров. Карл Фаберже имел звание придворного ювелира русского императорского двора (в 1885 г.) и придворного ювелира Швеции и Норвегии (с 1897 г.). Он начал управление фирмой в 1870 г., его услуги очень ценили при дворе. Фирма производила реставрацию древних произведений, хранившихся в императорском Эрмитаже, и ювелирных изделий из галереи драгоценностей в Зимнем дворце. Изделия фирмы Фаберже были элегантны, имели высочайшую технику исполнения и рассчитаны были на близкое рассматривание. Это был неоклассический стиль, который выгодно отличался от произведений других ведущих ювелирных фирм того времени (П.Сазикова, П.Овчинникова, И.Хлебникова, братьев Грачевых), которые часто подражали кремлевским мастерам XVII в., демонстрировавшим показную роскошь, чьи ювелирные произведения были усыпаны крупными камнями и бриллиантами.

С конца XIX в. фирма начинает выпускать необычайные декоративные предметы — пасхальные яйца с сюрпризами. К началу XX столетия в мастерских Фаберже работало уже около 500 специалистов самых различных национальностей (М.Перхин, Г.Вигстрем и др.). Работам фирмы Фаберже было присуще удивительное понимание камня, использование цвета и игры драгоценных камней, широкое использование их в произведениях ювелирного искусства, что характерно как для европейских, так и для древнерусских златокузнецов. Фирма изготовляла предметы различного назначения: серебряные и золотые столовые сервизы, канделябры, подсвечники, письменные приборы из серебра и бронзы, где удачно сочетался металл с камнем: малахит с бронзой, лазурит с золотом, родонит с серебром. Очень популярна была скульптура малых форм, а также табакерки, ароматические коробочки, пудреницы, колокольчики, бинокли, лорнеты, оправы для вееров, записных книжек, броши, кулоны, булавки, серьги, драгоценные рамки для фотографий и прочее. С начала XX в. Фаберже стали называть северным Челлини (именем виртуозного итальянского мастера эпохи Возрождения), а его работы сравнивать с лучшими ювелирными изделиями средневековья. В собрании Оружейной палаты хранится около 300 изделий работы мастеров фирмы Фаберже. Самую интересную часть коллекции составляют пасхальные сюрпризы, созданные для подарков членам императорской семьи, и резные фигурки из камня. Иногда небольшие украшения из золота, серебра, драгоценных камней, выполненные в форме яйца, модные дамы носили в виде ожерелий или на цепочках. В коллекции Оружейной палаты хранятся 10 пасхальных сюрпризов, изготовленных по заказам императорской семьи. Самым ранним является яйцо 1891 г. Оно выполнено из гладко отполированного темно-зеленого с красными вкраплениями гелиотропа с накладными завитками, усыпанными бриллиантами. Сюрприз заключается в том, что, когда яйцо открывается, выдвигается нежно-голубая аквамариновая пластинка, имитирующая воду, с миниатюрным золотым кораблем — точной моделью крейсера «Память Азова». Выполнил эту работу Михаил Перхин — один из талантливейших мастеров фирмы. Поражают часы, сделанные в виде яйца. Золото, оникс, бриллианты, эмаль по гильошированному (резному) фону (Перхин, 1899 г.). Часовые механизмы для изделий фирмы Фаберже, как правило, выполняли лучшие швейцарские мастера: Павел Буре и Генри Мозер. После смерти талантливого ювелира М.Перхина (1903 г.) во главе мастерской стал ювелир Генрик Вигстрем (Финляндия), который руководил работой многих мастеров, поэтому его клеймом помечены разные изделия той поры. Изделия эти отличаются легкостью и элегантностью, свойственной европейским стилям конца XVIII — начала XIX в.

Особенная заслуга Карла Фаберже состоит в том, что он впервые широко использовал в своих изделиях удивительной красоты самоцветы Сибири, Урала, Кавказа. Большой знаток минералов и признанный авторитет в этой области, К. Фаберже был оценщиком драгоценных камней при императорском дворе. Коллекция минералов самого К. Фаберже имела большую известность, часть ее и сегодня хранится в Минералогическом музее имени А.Е. Ферсмана в Москве. Горный хрусталь и халцедон, сердолик и разнообразные агаты, аквамарин и опал, всевозможные яшмы, обсидиан, нефрит, родонит и другие камни подбирались мастерами с большим вкусом. Кроме того, они умели изменять естественный цвет минерала и получать нужные им оттенки и тона. Фирма приобрела собственную камнерезную мастерскую в Петербурге. Созданные здесь миниатюрные фигурки зверей, искусно резанные и тщательно отшлифованные, чаще всего передавали в мастерскую Г.Вигстрема, где их оправляли золотом и украшали драгоценными камнями. Как правило, глаза животных делались из осколков бриллиантов или рубинов, что придавало им особую живость. Помимо резных фигурок камнерезы выполняли всевозможные коробочки, портсигары, рамки, календари, шахматы, подставки для часов, рукояти для сабель и кинжалов, преимущественно декорированные в восточной манере, многочисленные ручки для зонтиков и тростей. Большое место среди изделий фирмы занимают резные фигурки людей из камня. Чаще всего это народные типы, сделанные в стиле фарфоровой скульптуры, выпускавшейся заводом Гарднера (XIX в.). Для передачи лиц, костюмов, атрибутов использовались камни различных пород и оттенков.

Еще одной стороной деятельности фирмы Фаберже, принесшей ей мировую известность, было изготовление цветов из драгоценных камней и благородных металлов в миниатюрных вазочках. Гранильщики искусно обрабатывали куски горного хрусталя, создавая впечатление, что вазы наполнены настоящей водой. Выполняя цветы из золота, драгоценных и полудрагоценных камней, мастера достигали максимального приближения к природе, но главным для них все-таки оставался декоративный эффект. Чаще всего на цветах, фигурках зверушек и скульптурах мы не встречаем клейма с указанием имени мастера, но близкое знакомство с произведениями фирмы позволяет специалистам отличать их от изделий других мастеров и от подделок.

Со второй половины XIX — начала XX в. возникло художественное течение, в котором прослеживается обращение к формам и элементам декора различных стилистических направлений более ранних эпох. Оно получило название «историзм» и было типично и для произведений, создаваемых фирмой Фаберже. Ювелиры, работавшие в московском отделении фирмы, чаще, чем петербургские, обращались к произведениям древнерусского прикладного искусства. Например, размещение орнамента и полудрагоценных камней на серебряном ковше, созданном в начале XX в., характерно для этого вида древнерусской посуды; в нем сочетаются элементы, присущие как стилю модерн, так и русскому искусству XVII столетия. Ковш — традиционный русский сосуд — служил частью сервиза для питья меда. Металлические ковши, происходящие от деревянных прототипов, встречаются начиная с XIV в., и их производство продолжалось до середины XIX в. Аналогичный прием использован и в оформлении полей серебряного сальмандинами и опалами оклада иконы «Богоматерь Казанская». Оно выдержано в полном соответствии со старыми русскими традициями, но при этом мастер использует декоративные мотивы, соответствующие вкусам его времени.

Изделия фирмы Фаберже — значительное явление в декоративно-прикладном искусстве XIX-XX вв. Это произведения своей эпохи, со всеми пристрастиями века, однако изысканность ювелирной работы, стройность композиции, тонкое чувство материала ставят их в первый ряд мирового ювелирного искусства. mir-kamnej.ru

Европа в XIX веке

В середине XIX века ювелирное дело становится более массовым. При этом стали применяться менее ценные камни и материалы: аквамарин, горный хрусталь, малахит, искусственные бриллианты. Ювелирное искусство сменило и общий стиль – на смену рококо приходит классицизм, соответственно, украшения становятся более строгими и тщательно проработанными. Изделия с драгоценными камнями постепенно перестают использоваться в мужских костюмах, зато в моду входят набалдашники для тростей и дорогие табакерки.

Из известных мастеров можно выделить придворного ювелира Наполеона I Мартина Гийома Бьенне. В XIX столетии зарождаются такие всемирно известные дома, как Картье и Тиффани.

Копилка знаний

История развития ювелирного дела условно подраз­деляется на 5 основных этапов. Первый — доистори­ческий длительностью более 100 тыс. лет до н.э., когда происходило знакомство человечества с цветными кам­нями и другими материалами, используемыми в укра­шениях, а также накапливался опыт их обработки, включая развитие глиптики. Второй этап — античный, с начала нашей эры до середины XV в., в период которого закладывались основы ювелирного дела и создавались первые уникальные изделия. В это же время началась разработка месторождений цветных камней и художе­ственная обработка камня, в т.ч. простейшая огранка с применением алмазов. Третий этап — XV—XIX вв, на­чиная с эпохи географических открытий, когда интен­сивно расширялась сырьевая база и рынок цветных камней. К этому времени относится начало массовой ог­ранки самоцветов и совершенствование технологии об­работки драгоценных металлов, появление цехов и гиль­дий ювелирных мастеров. Следствием чего был переход к мелкосерийному производству ювелирных и камне­резных изделий. Четвёртый этап — эпоха индустриаль­ного мира XIX—XX вв, когда началось массовое произ­водство ювелирных изделий, создаётся мировой рынок цветных камней, а синтез искусственных ювелирно-по­делочных материалов встаёт на промышленную основу. С этим этапом связано зарождение геммологии, как прикладной науки. Пятый этап, начиная с XXI в., откры­вает эпоху преобладания синтетических материалов в ювелирном деле и использования достижений биоэлек­троники. Следствием этого будет рост ценности природных цветных камней и роли геммологии в их экспер­тизе и отличии от искусственных материалов. В первобытном обществе в период матриархата заро­дилась потребность человека в украшениях. Материа­лом для них были дерево, рог, зубы и кости убитых жи­вотных, раковины и яркие камешки. Самые древние бусы из ракушек, найденные в Израиле, были сделаны почти 100 тыс. лет тому назад. В неолите с освоением орудий труда и гончарного дела появляется возмож­ность применять в качестве украшений бусы из обо­жженной и окрашенной глины. В это время накаплива­лись сведения и мифы о свойствах цветных камней. В каменном веке человеку стал известен первый десяток органических материалов и столько же поделочных цветных камней, а из металлов — золото. Получили рас­пространение украшения в виде ожерелий из раковин, зубов и когтей хищников, гальки горного хрусталя, жа­деита, кремня, нефрита, обсидиана, серпентинита, ян­таря и яшмы. Судя по петроглифам на стенах пещер, за­чатки искусства резьбы по камню появились не менее 30 тыс. лет тому назад. Человечество знакомилось с цвет­ными камнями по мере развития материальной культу­ры, но крайне неравномерно в разных регионах мира. Лидерами в этом процессе были древние очаги цивили­зации: Ближний Восток, Индия, Китай, Египет. Подлин­ный расцвет и развититие ювелирного дела происходит в Др. Греции, Римской империи и Византии. Первые сведения о находках и использовании самородного золо­та в Египте относятся к V тысячелетию до нашей эры. Древние мастера быстро распознали его ценные качества — низкую температуру плавления и лёгкость обра­ботки. Уже в архаический период Др. Египта (3200—2980 гг. до н.э.) в стиле «золотого листа» украшали посуду, оружие, мебель и даже стены домов. За период медного века (IV—III тыс. до н.э.), по сравнению с каменным ве­ком, удвоилось количество освоенных цветных камней (см. таблицу). Раскопки египетских гробниц показали высокое мастерство ювелиров того времени, использо­вавших кроме цветных камней и их имитации. Наряду с глиной, окрашенной под лазурит и малахит, появляют­ся керамика с цветной глазурью, цветные стекла, ото­жженный янтарь и окрашенный халцедон. Драгоценные камни выступают не только как мистические символы, а также в роли знаков власти и почёта. В античное время получает широкое распространение ручная обработка камня, развивается искусство глиптики. Входят в обиход печатки гравированных цветных камней с указанием их принадлежности или назначения в качестве амулетов и талисманов. ВIII тыс. до н.э наряду с гравировкой осва­ивается инкрустация, техника изготовления кабошонов и окрашивания камней, ювелирные изделия достигают высокого совершенства. В Верх. Египте в этот период добывается изумруд, в Синае и Иране разрабатываются месторождения бирюзы, в Бадахшане — лазурита, на Урале — малахита, в Казахстане — жадеита. Из метал­лов начинают широко использоваться золото, серебро и медь. На протяжении бронзового и железного веков (с III по I тыс. до н.э.) обрабатываются рубин, сапфир, хризоберилл, шпинель, гранат, топаз, берилл, циркон. В ювелирном деле осваиваются новые металлы: олово, сви­нец и самородное железо. В последующем роль цветных камней постепенно ме­нялась от символов власти до простых украшений и хо­дового товара. Наряду с этим изготавливались и уни­кальные украшения, такие как шумерский «Штандарт из Ура» — одно из первых мозаичных произведений с сюжетами, инкрустированными перламутром и лазури­том (около 2600 г. до н.э.). Особой утончённостью отдел­ки ювелирных изделий и умением работать с цветным камнем и золотом отличались также мастера Нов. Цар­ства в Египте (1600—1100 гг. до н.э.). Ими созданы уни­кальные нагрудные украшения — пекторали, найден­ные в гробницах фараонов. В Египте после изобретения стекла начинается его применение в украшениях, т.к. стекло тогда считалось предметом роскоши доступным только верховным правителям. В символе божествен­ной власти фараонов — «Ожерелье Солнца» стеклян­ный бисер использован наряду с золотом. Памятниками ювелирного искусства являются также шедевры асси­рийской глиптики (700—600 гг. до н.э.). Китайское ис­кусство обработки цветного камня во II тыс. до н.э. ха­рактеризуется созданием уникальных резных изделий из нефрита, кварца, бирюзы, кораллов и слоновой кос­ти. В Индии VIII—IX вв. интерес к цветным камням ви­ден по обширным спискам самоцветов в старых хрони­ках. В бассейне рек Инда и Ганга, была освоена огранка алмазов, сапфиров и рубинов путём простой пришли-фовки граней их кристаллов. Драгоценными камнями украшались троны, одежда, посуда. С развитием торгов­ли и появлением денег цветные камни во многих стра­нах иногда выполняли их роль. В Китае это был нефрит, как наиболее ценный камень; в Тихом океане на о-ве Борнео — агат, на Ново-Гебридских о-вах — кольца из мрамора, а на о-вах Полинезии — перламутровые рако­вины. В I тыс. до н.э. расцвет камнерезного искусства наблюдается у древних цивилизаций Америки. На тер­ритории Мексики и Юж. Америки находят захоронения с ритуальными изделиями из жадеита, нефрита, лазу­рита, кварца, агата, обсидиана и бирюзы. К их числу относятся совершенные резные изделия из камня древнего народа майя (IX в. до н.э.), инкрустации по золоту древних индейцев Перу (I тыс. н.э.), мозаичные ком­позиции и каменные изваяния тольтеков Мексики (Vb. н.э.).

www.minsoc.ru Буканов В.В. Цветные камни: Энциклопедия

По этой теме читайте на сайте :
Гранат Пироп Ювелирное мастерство в СССР Ювелирное дело в России Ювелирное дело 20 века Ювелирное дело в Европе Ювелиры Ближнего Востока и Греции Как подделать на агате изображение

Положение дел в России в XIX веке

Высочайшего уровня ювелирное искусство в России достигло в XIX столетии. В это время существенно меняется направление работы, мастера стараются уходить от европейских традиций и возвращаются к исконно русским, придавая изделиям национальный колорит. Особенно модным становится речной жемчуг.

В Петербурге и Москве появляются крупные предприятия серебряного и золотого дела. Особенно известны фирмы Овчинникова, Постникова, братьев Грачевых и, конечно же, Карла Фаберже. Своим удивительным мастерством они покоряют не только русскую знать, но и королевские дворы Западной Европы. Однако их изделия доступны и рядовому покупателю – речь идет о портсигарах и столовом серебре.

По мнению специалистов, конец XIX – начало XX столетия является золотым веком российского ювелирного искусства.

Новое в блогах

История украшений берет начало в истоках человеческой истории. Сначала самоцветы носили в том виде, в каком их находили в природе. Потом стали обрабатывать их для усиления блеска, красоты, вырезать на камне различные рисунки, тексты. Каждая эпоха создавала украшения по-своему, и не только с точки зрения присущего ей стиля, но и в том, что касалось выбора материала, способа обработки, дизайна. В древности главным образом Египет, Греция, Рим, позднее Византия существенным образом определяли эволюцию украшений. Сохранившиеся до наших дней ювелирные изделия дают представление о традициях, вкусах и мастерстве ювелиров прошлого. В прошлом отделка ювелирных камней была крайне грубой, и той отделки и огранки камней, которая появилась в средневековье, раньше не было. Резьба по камню (глиптика) уже в VI в. до н. э. достигла своего расцвета в Греции; в Риме глиптика тоже была популярна (хотя берет свое начало еще в государствах Междуречья). В Европе глиптика появилась только в начале XIV в. Высочайшего совершенства достигло мастерство изготовления гемм — инталий (углубленное резное изображение) и камей (выступающее резное изображение). На них вырезались грациозные фигурки, женские головки, целые сцены, прославлявшие властителей древнего мира.

«Живопись в камне» — так метко назвал один из археологов XIX в. рельефные многоцветные камеи, вырезавшиеся из сверхтвердых минералов. С давних пор вплоть до восточных походов Александра Македонского (вторая половина IV в. до н.э.) мастера предпочитали углубленную резьбу печатей, дававших на оттиске в глине и воске миниатюрные рельефы. Самые ранние камеи вырезались на одноцветном минерале: гранате, гиацинте, аметисте, но скоро резчики обратились к многослойным минералам, позволявшим использовать более широкую гамму тонов и их переходов, учитывая тончайшие особенности камня. Первые камеи из многослойного агата, по-видимому, начали вырезать в Александрии, при дворе Птолемеев (конец IV—III вв. до н. э.). Многие из них были очень крупными и не могли использоваться ни в качестве печати, ни в виде амулета. Это были редкие заказные работы, служившие царскими дарами в храмы или дополнявшие пышный головной убор владык. Агат твердостью превосходит сталь, поэтому резчик должен был использовать еще более твердые материалы в качестве абразива. Размельченный корунд или алмаз при быстром вращении врезался в поверхность камня, и таким образом вырезалось изображение. Труд резчика был настоящим подвигом. Крупные камни — это подлинные картины из агата, они требовали многолетней работы. Древние мастера чаще всего обращались или к арабскому сардониксу с его гаммой холодных серо-голубых тонов, или к сардониксу индийскому, в котором преобладали теплые коричнево-красные оттенки. Из арабского сардоникса была создана всемирно известная «Камея Гонзага», индийский был использован создателем камеи с головой Зевса для княгини Голицыной. В этих шедеврах, составляющих гордость коллекции Эрмитажа, безымянные александрийские резчики III в. до н.э. использовали все средства искусства, соединявшего в одно целое пластику и живопись, рельеф и цвет. Меняя полировку поверхности камня, они умели придать, например, шлему холодный блеск металла, а лицу — тепло живой плоти. Меняя толщину верхнего светлого слоя минерала, мастер, словно живописец, прибегающий к технике «лессировок», заставлял просвечивать сквозь него нижний, темный слой. Так создавалось впечатление игры света и тени, обогащалась цветовая гамма изначально двух- или трехслойного агата — сардоникса.

До нас не дошли имена александрийских резчиков, создавших крупные династические камеи эпохи ранних Птолемеев (III—II вв. до н. э.), но для эпохи позднего эллинизма (I в. до н. э.) мы имеем подписанные работы. Кроме александрийской школы, в это время процветают мастерские Малой Азии и Северного Причерноморья.

Античные камеи хранились в специальных галереях при святилищах, в самих храмах как ценнейшие дары божеству, в императорском Риме — во дворцах цезарей, в особняках и на виллах знати. Они были труднодоступны. Древние поэты с удивлением сообщают о людях, совершавших долгое морское путешествие, чтобы увидеть тот или иной шедевр. Вполне понятно их желание приобрести копию этого шедевра. Поэтому иногда одна и та же композиция доходит до нас в нескольких вариантах. Есть случаи, когда мы обладаем воспроизведением одной и той же картины одновременно на геммах, рельефах из мрамора и терракоты, в светильниках, на монетах и декоративных фресках.

Многоцветные камеи в ящичках дактилиотек античных коллекционеров, видимо, составляли своего рода портативные галереи миниатюрных репродукций живописи. Огромная твердость материала, из которого исполнялись камеи, превосходящего по своей твердости сталь, казалось, должна была навсегда предохранить их от разрушения. Однако произведения глиптики иногда вторично поступали на обработку резчиком. Особенно участились переработки древних камей с победой христианской идеологии, когда старому языческому содержанию стремились придать христианский смысл. Именно с такими переделками и переосмыслением связана вторая жизнь античных камней в средние века. Особенно усиленно стали перерабатывать древние камеи в XVI-XVIII вв., в эпоху расцвета глиптики нового времени. Иногда это была ретушь поверхности, частично разрушенной временем, иногда мастер отваживался вырезать на обороте собственноручное изображение, иногда добавлялись надписи. Порой же речь шла о полной радикальной переработке.

Основное ядро коллекции Эрмитажа было составлено во второй половине XVIII в. Камеи составляли предмет особых забот Екатерины II, свою страсть к их собиранию она шутливо называла «камейной болезнью», а свою большую коллекцию — бездной. К концу XVIII в. ее коллекция глиптики насчитывала 10 тысяч экземпляров. История Эрмитажного собрания может быть воссоздана с большой полнотой благодаря счетам, а также письмам и дневникам императрицы и ее ближайшего окружения. Самое значительное приобретение было сделано в 1787 г. Это собрание герцога Луи-Филиппа Орлеанского — одна из самых известных коллекций Европы. В 1795 г. Екатерина II с законной гордостью писала: «Все собрания Европы по сравнению с нашим представляют собой лишь детские затеи». Внук Екатерины II, Александр I, не только унаследовал любимую коллекцию бабки, но и приумножил ее. В России становится традицией для пополнения дактилиотеки Эрмитажа дарить или завещать в дар древние геммы, эти редкие создания античного искусства. После 1917 г. в результате национализации собраний петербургской знати в Эрмитаж попали камеи из бывших коллекций Строгановых, Юсуповых, Шуваловых, Нелидовых… Многие из камей, составивших эту уникальную коллекцию, по праву принадлежат к числу прекраснейших произведений искусства, когда-либо вышедших из рук человека.

Средневековье переняло это наследие античности, однако скоро вышло на свой собственный путь и стало использовать резные камни как в светской жизни, так и для украшения церковной утвари, церковных книг и облачений священнослужителей. Их носили высокородные женщины в виде застежек на одеяниях или в виде медальонов. Руку средневекового аристократа часто украшал перстень с печаткой с вырезанным в камне изображением. В эпоху Возрождения глиптика пережила новый расцвет, и многие известные мастера той поры создали в этой технике произведения искусства высочайшего уровня.

В венском Музее искусств можно увидеть брелоки, сделанные из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами, в центре которых располагается агатовая головка. Это мавританские камеи, которые пользовались большим успехом в конце XVI в. В них видна естественная бороздчатость камня, изображение экзотической природы и, конечно же, изящная эмалировка в мавританском стиле. Коллекция античных и средневековых камей есть и в Парижской национальной библиотеке.

В то время как искусство резания камней еще в античности достигло своего апогея, гранение развивалось медленнее и в античную эпоху намного отставало от глиптики. Наиболее простой и употреблявшейся еще в древние времена формой обработки камня является огранка кабошоном. В раннем и зрелом средневековье кабоширование было единственным способом обработки драгоценных камней. Сегодня же подобным образом отделываются, как правило, непрозрачные или полупрозрачные декоративные камни. В XIV и XV вв. распространяется шлифование таблицей, в XV и XVI вв. появляется фасетирование. То, что мелко растолченный алмаз является непревзойденным средством огранки — это первым открыл гранильщик Карла Смелого Бургундского Луи де Беркен из Брюгге, чем и обусловил взлет гранильного дела. Он наиболее полно выявил одно из важнейших свойств алмаза: способность преломлять свет, которой в такой мере не обладает ни один другой камень. После этого огранка начала свое подобное шествие и появилось множество ее видов. В XVII в. алмаз сделался основным украшением. Гранение алмазов привело к тому, что в XVIII в. искусные ювелиры вправляли в броши, султаны, кольца и др. украшения мерцающие бриллианты в виде цветов, ветвей и бантов. В Европе стали изготовлять целые гарнитуры драгоценностей, которые состояли из ожерелья, серег, броши, браслетов, а иногда и диадемы.

Уже в древности существовала имитация драгоценных камней. Редкие и драгоценные камни заменялись похожими, но более доступными и дешевыми суррогатами. Еще древние египетские мастера умели делать имитацию камней — цветные непрозрачные стекла, смальту. С помощью изготовления определенной оправы можно было преподнести и «обыграть» дефектный камень так, чтобы он казался безупречным по чистоте и дорогим экземпляром. С помощью отражающей свет фольги увеличивали сияние бесцветных и прозрачных алмазов. Ренессансный художник и златокузнец Бенвенуто Челлини прославился умением изготовлять превосходную фольгу, которая заметно увеличивала сверкание драгоценного камня. В других случаях посредством склеивания двух камней достигали обманчивого единства и видимости высокого качества. С помощью обжига цвет многих камней можно было изменить. Например, матово-голубой сапфир после обжига становился водянисто-светлым и служил для имитации алмаза. Во все времена стекло применялось в качестве дешевого заменителя благородных камней. Сорта стекла, которые отличаются повышенным оптическим преломлением и в огранке дают богатую цветовую игру, могут, во-первых — окрашенные окислами металлов — использоваться для имитации цветных драгоценных камней, во-вторых — в бесцветном состоянии — служить заменителями алмазов в дешевых украшениях. Основой современной имитации благородных камней посредством стекла служат стразы, бесцветная стеклянная масса из окиси железа, глинозема, извести и окиси натрия, сплав которой впервые в 1758 г. получил венский златокузнец Иосиф Штрассер. Это был особый сорт стекла, который в обработанном виде выглядит как бриллиант. Оно под названием «страз» проникло на мировой рынок. Псевдобриллианты по внешнему виду приближаются к подлинным, но специалисты достаточно легко различают их по твердости, не говоря уж о методах инструментальной диагностики. При долгом ношении этих украшений на них появляются следы износа и блеск их со временем слабеет.

Надо сказать, что огромное значение для драгоценного камня имеет и подходящая оправа. Как в древности, так и в настоящее время для оправы обработанных камней используют прежде всего благородные металлы и лишь изредка — неблагородные, которым посредством соответствующей обработки поверхности придавали должный вид (например, позолоченная медь). В принципе можно различить два вида оправы: ранняя, гнездовая оправа, известная еще в древности; и более поздняя, известная с конца X в., — ажурная, сквозная, которая не имеет донца и оставляет камень открытым с обеих сторон. Все минувшие столетия не смогли изменить основные виды оправы драгоценных камней, и до сих пор мы имеем дело все с теми же разновидностями первоначальных форм.

Центральное место в ювелирном деле средневековья занимают фибулы, которые с бронзового века использовались почти всеми европейскими народами. В ходе столетий они претерпели изменения от простой крепежной булавки для скрепления одеяний до роскошно отделанной вещицы.

В XIII в. появляются изящные аграфы — это застежка на шейном вырезе женского одеяния. Часто они были покрыты любовными надписями и девизами. Изготовлены из золота, серебра, драгоценных камней.

Запонки для вельмож, которые великолепно изготавливались в Трансильвании, оттуда распространялись по всей Европе. Самым распространенным церковным украшением была скрепа завесы клироса.

К XVII веку фибулы, аграфы и пр. появились в виде брошей в модных украшениях того времени. В XVIII веке броши, усыпанные бриллиантами, стали последним криком моды. Предпочитались броши в форме лент, букетиков цветов. К концу XVIII в. появляются броши с миниатюрными портретами в золотой оправе с жемчужной каймой в форме круга или овала. Позже в брошах стали носить локоны друзей, портреты и т. д. Надо отметить еще одну немаловажную деталь туалета жителя средневековой Европы — это шляпные пряжки, пряжки на обуви и пряжки для штанов, часто драгоценные, со вставными бриллиантами. Были распространены и подвески. Древние европейские подвески (раннее средневековье) были круглыми и плоскими, украшенными эмалью, цветными драгоценными камнями или жемчугом и выражали прежде всего религиозные чувства носивших их людей. Лишь с XV в. подвески начинают встречаться чаще. Они отделаны слоновой костью и перламутром, на которых часто вырезали рельефные изображения Мадонны с младенцем или фигуру небесного покровителя. В эпоху Ренессанса подвески оставили далеко позади все родственные украшения. Ренессансные подвески украшались эмблемами, фигурами и сценами из религиозной жизни, сценами из истории античности. Часто встречаются подвески в виде зверей, сказочных персонажей. Среди прочего использовали необычной формы жемчужины и камни в виде частей тела человека или животного. В XVII в. исключительное пристрастие к подвескам было надолго оставлено, стали носить подвески в форме креста. Их лицевая сторона украшалась бриллиантами, оборотная, как правило, расписывалась эмалью.

Надо сказать, что Италия, особенно Флоренция и Милан, были в период Ренессанса общепризнанными центрами ювелирного искусства. В частности, в XV—XVI вв. Милан был центром резьбы по хрусталю. Очень модным было делать голову животного из хрусталя (например, соболя), оправлять в эмалированное золото (вделанные рубины служили глазами) и прикреплять ее к дорогостоящему меху. Такое одеяние носили на плечах.

Вообще, XVI в. надо отметить особо. В это время было изобретено много новых ювелирных украшений. Например, на шее средневекового горожанина можно было увидеть брелок религиозного назначения. Это мог быть шарик из агата, оправленный в эмалированное золото, с вделанными рубинами и жемчугом. При раскрытии шарика появлялось изображение религиозного сюжета. Такие шарики делали также из древесины, самшита (в Англии, Голландии, Франции). Большие брелоки религиозного назначения с драгоценными камнями, часто с окошками для показа реликвий, пользовались немалым успехом в Испании в первой половине XVII в.

Брелоки в форме животных в XVI в. особенно были популярны в Испании. Такое животное, как правило, «восседало на подушке». Чаще всего это был орел. Или на брелоке могло быть изображение святого Якова, который особо почитался в Испании. Большим успехом пользовались брелоки в форме кораблей, выполненные в технике филигранной эмали, отделанные чаще жемчугом. Особенно были распространены с XVI по XVIII в. в Италии, в районе Эгейского моря и в Центральном Европе (Венгрия).

В XVI в. в Европе можно было увидеть среди украшений и брелоки-талисманы, например, в форме руки, сделанные из слоновой кости, оправленной в эмалированное золото, с вделанными жемчугом и бирюзой. Пальцы показывали кукиш. Еще с времен Римской империи этот жест у народов Средиземноморья означал «спугнуть дурной глаз». У испанского короля Филиппа II были такие брелоки из коралла. В Испании их чаще всего делали из слоновой кости и агата.

В Италии в это же время любили носить брелоки из декоративных камней с изображением обнаженного женского бюста.

Коллекционеры в XVI в. ценили не только ювелирные украшения, но и посуду из полудрагоценных камней вроде горного хрусталя, агата или лазурита. Богатая коллекция сосудов из лазурита, начиная с 1560 г., принадлежала представителям флорентийской династии Медичи, которые приглашали к себе во Флоренцию мастеров для своих гранильных мастерских.

В южной Германии в XVI в. также было несколько знаменитых ювелирных центров: Нюрнберг и Аугсбург, где работали выдающиеся ювелиры того времени, как, например, Венцель Ямницер. Большой популярностью у горожан в то время пользовалась столовая посуда: кубки из позолоченного серебра с вделанными драгоценными камнями (гранатами, изумрудами, сапфирами, рубинами). Их часто изготовляли по заказу для свадебных подарков. Пивные кружки из позолоченного серебра, украшенные кораллами, рубинами, изумрудами, жемчугом, бриллиантами, и другая посуда, обычно очень массивная, что было присуще нюрнбергским ювелирам в период Ренессанса. В XVI в. модным было делать кубки в форме кокоса и других экзотических фруктов.

Однако ничто не могло соперничать с женскими украшениями, мода на которые постоянно менялась. Так, в XVII в. начали встречаться жемчужные браслеты, носившиеся, как правило, попарно. Издревле большое значение среди предметов украшений имели серьги. Они носились не только женщинами, но и мужчинами, в частности воинами. С XVII в. серьги стали исключительно женским украшением. Сначала это были большие грушеобразные жемчужины, затем стали популярны нарядные серьги, которые с передней стороны отделывались драгоценными камнями, а с оборотной — эмалью. Стали встречаться слоновая кость, черепаха и декоративные породы дерева. Еще с XI в. до н. э. появилось упоминание о ношении колец (в индийском эпосе). Вначале, как уже упоминалось, кольцо было признаком власти, а не украшением. Это — перстни-печатки, кольца как знаки достоинства, и позже — кольцо как украшение, кольцо-талисман, кольцо-амулет. Кольца носили и служители церкви (поверх епископской перчатки на четвертом пальце правой руки). В XIV в. обыкновенно использовалась простая гладкая гнездовая оправа для камней, обработанных кабошоном, в то время как поздняя готика предпочитала кольца богатой выделки, украшенные эмалью и камнями. В XVII в. предпочитали в центральной части кольца большие граненые камни. Особенно большим вниманием в Европе в это время (в XVII—XVIII вв.) стал пользоваться красный карнеол и «моховой» агат, черно-белый и коричнево-белый оникс и многоцветные агаты. Резной камень до самого конца XIX в. оставался популярным украшением кольца, наряду с непрозрачными многоцветными камнями, которые часто использовались для изготовления камней. Своеобразное возрождение пережили также горный хрусталь, дымчатый топаз, аметист и розовый кварц, в которых часто вырезались инталии. Самым дорогим и самым красивым камнем для кольца на исходе XIX в. был «солитер» — большой бриллиант в платиновой основе. Кстати сказать, очень любопытно выглядели обручальные кольца в Европе в XVII в., например в Германии. Два кольца соединены вместе, сделаны из эмалированного золота со вставными бриллиантами и рубинами. Два обода при необходимости разнимаются. Вполне могла быть надпись на латинском, которая состояла из слов венчания — «что Бог сочетал, того человек да не разлучит». Такая двойная конструкция встречается, начиная с XIV в., а символ пожатых рук происходит от древних римских обручальных колец.

Нельзя не сказать об украшениях для волос, которые достигли своего апогея в XVIII в. В основном это диадемы, султаны, обильно украшенные жемчугом, драгоценными камнями, кораллами. В XIX в. и до начала XX в. были модны черепаховые гребни с высокой насадкой, украшенной драгоценными камнями, часто отделанные перламутром и жемчугом. К началу XVIII в. модным стало бриллиантовое колье, в среднюю часть которого вставляли смарагд или рубин. В виде медальонов стали носить геммы или камеи на черной бархатной ленточке.

Драгоценными камнями украшались и предметы обихода — флакончики для духов, футляры для иголок, молитвенные принадлежности и пр. Даже часы на шее в виде подвесок на декоративной цепочке, и те были буквально усыпаны драгоценными камнями. Кстати, во Франции, например, в XVI в., флакончики для духов, пряностей, ароматических смол делали из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами. Если вернуться к временам античности, то тогда ароматные эссенции готовились строго на заказ, были невероятно дороги и хранились в амфорах из агата, порфира, алебастра. Флаконы, похожие на сегодняшние, как, собственно, и парфюмерная промышленность, — изобретение XVII в. Пузырьки из стекла цвета янтаря и кобальта украшались жемчугом и гирляндами листьев. Вскоре пришла мода на перламутровые инкрустации, эмаль, затем на матовое богемское стекло с золотой филигранью, наконец, на тонкий парижский фарфор.

Надо отметить, что в середине XVIII в. в моду вошел восточный лак. Была изобретена техника пике, имитирующая лак. На самом деле работы выполнялись с черным перламутром пике, который имитировал лакировку.

В это время предметы домашнего обихода украшали с помощью этого технического приема, например, табакерки. Много было табакерок и из черепахового панциря, оправленного в золото.

В XVIII в. появилась техника настилания узорчатых плиток (пластинок) из полудрагоценного камня на предметы домашнего обихода. Например, на табакерках могли быть пластинки из красного железняка и круги из агата, вмонтированные в золото.

В первой половине XIX в. новые материалы, способы обработки, новые техники украшений и т. д. обогатили ювелирное дело. С конца XIX века искусство украшений приходит в упадок как с точки зрения ремесленного мастерства, так и во всех иных аспектах, и вместо тщательно и индивидуально изготовленных украшений появляются модные изделия серийного производства. Именно повышенный спрос на ювелирные изделия в первую очередь дал толчок в XX в. к развитию технологий массового выпуска ювелирной продукции. Развитие штамповки значительно снизило долю ручного труда в ювелирном производстве, а совершенство точного литья свело ручной труд к минимуму. Однако ручной труд не утратил своего значения окончательно, и лучшие образцы его по-прежнему ценятся очень высоко. В настоящее время помимо подражания лучшим образцам средневековья и другим произведениям ювелирного искусства прошлого наблюдается внедрение очень интересного современного ювелирного дизайна.

Нельзя не сказать несколько слов о ювелирном искусстве на Руси. Оно известно с первых веков христианства. Считается, что в это время Византия оказала большое влияние на русское ювелирное искусство, на искусство обработки благородных металлов. Это влияние прослеживается с XI — XII вв. и до XVI в. Особенно оно заметно в орнаментальных мотивах, присутствующих в ювелирных работах русских мастеров. На церковных украшениях этого периода можно было обнаружить византийские камеи. С XIV в. началась полоса расцвета ювелирного искусства в Великом Новгороде, Тотьме, Великом Устюге и других городах. С XVI в. появились сугубо русские, традиционные мотивы в произведениях русских ювелирных мастеров. К концу XVI в. в Москве, кроме русских и греков, стало появляться много других иностранных мастеров-ювелиров. Однако о целой отрасли, связанной с обработкой драгоценных камней (как и о горном деле), можно говоришь лишь с приходом на царство Петра I. По его указу в Петергофе была построена первая гранильная фабрика (в 1725 г.). Для обучения российских мастеров приглашались мастера из-за границы. При Петре I началось оформление ремесленников в цеховые организации. Появились ремесленные центры и при Московской патриархии, монастырях. До 1700 г. ювелирные произведения не клеймили нигде, кроме Москвы, тогда как в Византии клейма применялись с IV в. (из Византии этот обычай распространился по всей Европе). Широко начали применять клеймение драгоценных изделий в России в XVIII в. При Екатерине II ювелирное дело продвинулось вперед, ею было выстроено еще несколько шлифовальных фабрик. В XIX в. ремесленные цехи потеряли свое значение: их места заняли фабрики, торговые дома, артели. При фабриках стали появляться школы, где обучали ювелирному мастерству. На ювелирных изделиях стояли клейма с номером артели или торгового дома, иногда мог быть и именник мастера (но в основном имена российских мастеров можно было обнаружить в так называемых переписных книгах). Лучшие образцы российского ювелирного мастерства имеются в богатых собраниях Эрмитажа, Оружейной палаты.

До 1917 года несметные ювелирные сокровища хранились также в монастырях, церквях: на иконах, облачениях священнослужителей, церковной утвари и т. д.

Со второй половины XIX — начала XX в. крупные московские и петербургские ювелирные фирмы постепенно завоевывали русский рынок, вытесняя продукцию иностранных мастеров. Они были оснащены новым механическим оборудованием, имели возможность нанимать мастеров-виртуозов и пользоваться услугами лучших художников. Ведущую роль в русском и европейском ювелирном искусстве конца XIX — начала XX в. играла фирма Фаберже, имевшая отделения в нескольких городах России и за рубежом. И до сих пор остается только поражаться совершенству исполнения и удивительной фантазии ее мастеров. Карл Фаберже имел звание придворного ювелира русского императорского двора (в 1885 г.) и придворного ювелира Швеции и Норвегии (с 1897 г.). Он начал управление фирмой в 1870 г., его услуги очень ценили при дворе. Фирма производила реставрацию древних произведений, хранившихся в императорском Эрмитаже, и ювелирных изделий из галереи драгоценностей в Зимнем дворце. Изделия фирмы Фаберже были элегантны, имели высочайшую технику исполнения и рассчитаны были на близкое рассматривание. Это был неоклассический стиль, который выгодно отличался от произведений других ведущих ювелирных фирм того времени (П.Сазикова, П.Овчинникова, И.Хлебникова, братьев Грачевых), которые часто подражали кремлевским мастерам XVII в., демонстрировавшим показную роскошь, чьи ювелирные произведения были усыпаны крупными камнями и бриллиантами.

С конца XIX в. фирма начинает выпускать необычайные декоративные предметы — пасхальные яйца с сюрпризами. К началу XX столетия в мастерских Фаберже работало уже около 500 специалистов самых различных национальностей (М.Перхин, Г.Вигстрем и др.). Работам фирмы Фаберже было присуще удивительное понимание камня, использование цвета и игры драгоценных камней, широкое использование их в произведениях ювелирного искусства, что характерно как для европейских, так и для древнерусских златокузнецов. Фирма изготовляла предметы различного назначения: серебряные и золотые столовые сервизы, канделябры, подсвечники, письменные приборы из серебра и бронзы, где удачно сочетался металл с камнем: малахит с бронзой, лазурит с золотом, родонит с серебром. Очень популярна была скульптура малых форм, а также табакерки, ароматические коробочки, пудреницы, колокольчики, бинокли, лорнеты, оправы для вееров, записных книжек, броши, кулоны, булавки, серьги, драгоценные рамки для фотографий и прочее. С начала XX в. Фаберже стали называть северным Челлини (именем виртуозного итальянского мастера эпохи Возрождения), а его работы сравнивать с лучшими ювелирными изделиями средневековья. В собрании Оружейной палаты хранится около 300 изделий работы мастеров фирмы Фаберже. Самую интересную часть коллекции составляют пасхальные сюрпризы, созданные для подарков членам императорской семьи, и резные фигурки из камня. Иногда небольшие украшения из золота, серебра, драгоценных камней, выполненные в форме яйца, модные дамы носили в виде ожерелий или на цепочках. В коллекции Оружейной палаты хранятся 10 пасхальных сюрпризов, изготовленных по заказам императорской семьи. Самым ранним является яйцо 1891 г. Оно выполнено из гладко отполированного темно-зеленого с красными вкраплениями гелиотропа с накладными завитками, усыпанными бриллиантами. Сюрприз заключается в том, что, когда яйцо открывается, выдвигается нежно-голубая аквамариновая пластинка, имитирующая воду, с миниатюрным золотым кораблем — точной моделью крейсера «Память Азова». Выполнил эту работу Михаил Перхин — один из талантливейших мастеров фирмы. Поражают часы, сделанные в виде яйца. Золото, оникс, бриллианты, эмаль по гильошированному (резному) фону (Перхин, 1899 г.). Часовые механизмы для изделий фирмы Фаберже, как правило, выполняли лучшие швейцарские мастера: Павел Буре и Генри Мозер. После смерти талантливого ювелира М.Перхина (1903 г.) во главе мастерской стал ювелир Генрик Вигстрем (Финляндия), который руководил работой многих мастеров, поэтому его клеймом помечены разные изделия той поры. Изделия эти отличаются легкостью и элегантностью, свойственной европейским стилям конца XVIII — начала XIX в.

Особенная заслуга Карла Фаберже состоит в том, что он впервые широко использовал в своих изделиях удивительной красоты самоцветы Сибири, Урала, Кавказа. Большой знаток минералов и признанный авторитет в этой области, К. Фаберже был оценщиком драгоценных камней при императорском дворе. Коллекция минералов самого К. Фаберже имела большую известность, часть ее и сегодня хранится в Минералогическом музее имени А.Е. Ферсмана в Москве. Горный хрусталь и халцедон, сердолик и разнообразные агаты, аквамарин и опал, всевозможные яшмы, обсидиан, нефрит, родонит и другие камни подбирались мастерами с большим вкусом. Кроме того, они умели изменять естественный цвет минерала и получать нужные им оттенки и тона. Фирма приобрела собственную камнерезную мастерскую в Петербурге. Созданные здесь миниатюрные фигурки зверей, искусно резанные и тщательно отшлифованные, чаще всего передавали в мастерскую Г.Вигстрема, где их оправляли золотом и украшали драгоценными камнями. Как правило, глаза животных делались из осколков бриллиантов или рубинов, что придавало им особую живость. Помимо резных фигурок камнерезы выполняли всевозможные коробочки, портсигары, рамки, календари, шахматы, подставки для часов, рукояти для сабель и кинжалов, преимущественно декорированные в восточной манере, многочисленные ручки для зонтиков и тростей. Большое место среди изделий фирмы занимают резные фигурки людей из камня. Чаще всего это народные типы, сделанные в стиле фарфоровой скульптуры, выпускавшейся заводом Гарднера (XIX в.). Для передачи лиц, костюмов, атрибутов использовались камни различных пород и оттенков.

Еще одной стороной деятельности фирмы Фаберже, принесшей ей мировую известность, было изготовление цветов из драгоценных камней и благородных металлов в миниатюрных вазочках. Гранильщики искусно обрабатывали куски горного хрусталя, создавая впечатление, что вазы наполнены настоящей водой. Выполняя цветы из золота, драгоценных и полудрагоценных камней, мастера достигали максимального приближения к природе, но главным для них все-таки оставался декоративный эффект. Чаще всего на цветах, фигурках зверушек и скульптурах мы не встречаем клейма с указанием имени мастера, но близкое знакомство с произведениями фирмы позволяет специалистам отличать их от изделий других мастеров и от подделок.

Со второй половины XIX — начала XX в. возникло художественное течение, в котором прослеживается обращение к формам и элементам декора различных стилистических направлений более ранних эпох. Оно получило название «историзм» и было типично и для произведений, создаваемых фирмой Фаберже. Ювелиры, работавшие в московском отделении фирмы, чаще, чем петербургские, обращались к произведениям древнерусского прикладного искусства. Например, размещение орнамента и полудрагоценных камней на серебряном ковше, созданном в начале XX в., характерно для этого вида древнерусской посуды; в нем сочетаются элементы, присущие как стилю модерн, так и русскому искусству XVII столетия. Ковш — традиционный русский сосуд — служил частью сервиза для питья меда. Металлические ковши, происходящие от деревянных прототипов, встречаются начиная с XIV в., и их производство продолжалось до середины XIX в. Аналогичный прием использован и в оформлении полей серебряного сальмандинами и опалами оклада иконы «Богоматерь Казанская». Оно выдержано в полном соответствии со старыми русскими традициями, но при этом мастер использует декоративные мотивы, соответствующие вкусам его времени.

Изделия фирмы Фаберже — значительное явление в декоративно-прикладном искусстве XIX-XX вв. Это произведения своей эпохи, со всеми пристрастиями века, однако изысканность ювелирной работы, стройность композиции, тонкое чувство материала ставят их в первый ряд мирового ювелирного искусства. mir-kamnej.ru

Двадцатый век

В прошлом столетии в ювелирном искусстве формируется большое количество направлений. В первые десятилетия главенствующим стилем является модерн. В ювелирном искусстве его влияние реализовалось в крайней сложности форм и орнамента украшений. Активно используются платина, палладий, анодированный алюминий. Снова обретают популярность бриллианты. Модной становится и бижутерия, на распространение которой существенным образом повлияла знаменитая Коко Шанель.

В военные и послевоенные годы изделия становятся более простыми, золото часто заменяется бронзой. Во второй половине столетия под влиянием нонконформистских идей мастера начинают использовать в работе необычные материалы, ранее немыслимые для ювелирного дела: дерево, пластик, сталь и другие. С развитием сложной техники появляются украшения с камнями-хамелеонами, способными менять окраску в зависимости от перепадов температуры или настроения владельца. Популярным становится культивированный жемчуг различных цветов.

В советские годы русские ювелирные фирмы выпускали большей частью массовую продукцию. Но в конце прошлого века современные мастера задумали возродить гильдию ювелиров России, чтобы вернуть ювелирному искусству былую славу.

Современное искусство

В наши дни ювелирное ремесло, пожалуй, еще больше, чем прежде, становится искусством. Украшения выступают одной из форм творческого самовыражения. Современные предприятия используют более профессиональные инструменты и доступные материалы. При этом многие изделия выполняются из синтетических материалов. И хотя они не могут превзойти красотой и совершенством натуральные камни, все же достойно с ними соперничают.

Современное ювелирное искусство достойно продолжает традиции старых мастеров. А использование новых технологий позволяет создавать все более необычные и интересные украшения.

История ювелирных украшений

История ювелирных украшений начинается с появлением первых людей, которые не зависимо от расы, религии или культуры использовали ювелирные украшения как форму самовыражения, указывая тем самым на свой социальный статус, богатство или принадлежность к определенному кругу. Основываясь на археологические заключения, специалисты сделали вывод, что первые ювелирные украшения носили кроманьонцы, предки Homo Sapiens, еще 40 000 лет тому назад. Испокон веков так повелось, что наибольшее пристрастие к украшениям испытывали женщины, которые еще в древности использовали с этой целью «подручные материалы» такие как кости, зубы животных, камушки, ракушки, растения и многое другое. Подобного рода украшения человечество на раннем этапе своего развития использовало в первозданном виде, то есть, не применяя или же частично применяя к ним обработку, но и то примитивную. В ходе эволюции материалы и методы, используемые для изготовления ювелирных украшений, во многих отношениях развивались. За время существования человечество достигло невероятного технического прогресса, но украшения исполненные таким образом, как в первобытные времена, поражают воображение наших современников. А ювелирное украшение, выполненное на прадавний манер, к примеру, бусы или браслеты из натянутых на веревочку ракушек, которые женщины носили с незапамятных времен, являются модным аксессуаром, который доминирует в ювелирной моде и сегодня.

Функция, которую несли в себе ювелирные украшения, с течением времени менялась драгоценности, прошли путь от использования их как вида валюты до модного аксессуара и наконец, до формы художественного выражения.

В древности ювелирные украшения представляли собою украшения с символическим подтекстом, в большей мере они выполняли функцию талисманов, считалось, что они наделены магическим и духовными свойствами. Проанализировав ход исторического развития, социально-престижное значение изделий ювелирного искусства постепенно начинает преобладать над их религиозно-мистической функцией.

Египетские ювелирные украшения

Многие исследователи придерживаются такого мнения, что египетские ювелирные украшения положили начало современному ювелирному искусству. Это не случайно, потому что именно в Древнем Египте производство ювелирных украшений стало профессией, а методы и навыки позволяли создавать украшения разнообразных стилей и вариативных форм, что достигалось, соответственно за счет расширения спектра используемых материалов. Древнеегипетское ювелирное искусство находилось на высокой ступени развития, а в качестве используемых материалов выступало золото, аметист, лазурит, бронза, обсидиан и изумруды, применялась чеканка, холодная эмаль, гравировка. Освоив все составляющие ювелирного дела, египетские ювелиры создавали непревзойденные ювелирные украшения, художественные формы которых имеют высокую оценку и в наши дни. Излюбленным материалом египетских мастеров было золото, они обожали его блеск и ценили его за простоту обработки. В Египте золото считалось символом власти и богатства, его «носили» даже после смерти. Об этом свидетельствуют многочисленные находки в гробницах египетских фараонов. Большая часть таких находок в настоящее время находятся в музее Каира.

Греческие и римские ювелирные украшения

Ранние греческие и римские драгоценности весьма разнообразны по стилю и форме, так как были «позаимствованы» у других культур и соседних государств. В греческом ювелирном искусстве большую роль играл культурный символизм, так как драгоценности этого периода олицетворяют собою мифологические, героические и религиозные сцены из жизни этноса. Так же во времена Александра Великого распространенной была скульптура в миниатюре. Рим был процветающим центром для раннего развивающегося ювелирного мастерства, слаженной считалась ювелирная торговля, равной которой не было до периода Ренессанса в Европе. Ювелирные изделия были настолько распространены, что их носили даже представители низкого ранга, в Греции и Риме носить ювелирные украшения стало всеобщей традицией. Золото, например, использовалось даже в декорировании мебели и предметах домашнего обихода. Известно, что римляне использовали для изготовления украшений цветные камни, такие как топаз, изумруд, рубин, сапфир и жемчуг.

Средневековые ювелирные украшения

С принятием христианства в ювелирном искусстве культурные стили некой мерой перемешались между собой. Ювелирные украшения в это время представляли собою, прежде всего изделия, символизирующие христианскую веру. В начале средних веков христианские монастыри были в ответе за производство большей части ювелирных изделий в мире. Именно в этот период монастыри поставляли ювелирные «товары» на рынок и занимались подбором ювелирных мастеров. Растущий спрос на ювелирные украшения, привел к появлению подделок, но с образованием первой гильдии, в практику вошло такое правило как контроль качества ювелирных украшений. Именно с формированием первой гильдии ювелирных мастеров, история развития ювелирного искусства и драгоценных украшений получила серьезную платформу, способствующую новому его развитию.

Ювелирные украшения периода Ренессанса

До начало эпохи Возрождения ювелирные украшения служили, прежде всего, выражением некого символизма, который являлся неотъемлемой частью религиозных и культурных убеждений. В период Ренессанса роли ювелирных изделий начали расходиться, все чаще они начали использоваться как украшение для тела, создающиеся исключительно для целей улучшения личного представления красоты. В период Ренессанса многие известные люди пробовали себя в ювелирном творчестве, такой великий художник, как Леонардо да Винчи, начиная свою карьеру, работал с известными ювелирами того времени. Известно, так же, что да Винчи, за свою карьеру сделал ювелирные украшения для некоторых известных людей, которые поддерживали его художественно-изобретательные начинания. Не менее известный художник Ренессанса Боттичелли получил свое раннее художественное образование в магазине ювелира. Все искусство в период Ренессанса достигло нового качественно нового уровня. В это время акцент большей мерой начали делать на красоту драгоценных камней, которыми декорировали ювелирные украшения, картины и другие произведения искусства. Люди стали обращать внимание на цвет драгоценных камней, их блеск и сияние, все меньше придерживаясь убеждений об их мистической функции. Впервые в истории начали использовать бриллиант, что соответственно повлекло за собой поиск методов и подходов к его обработке.

XVII –ХХ век

Увеличение благосостояния населения и цепочка других социальных и экономических факторов, способствовали тому, что драгоценные металлы, например золото и серебро стали теперь доступны для низших слоев населения. С начала XVII века ювелирное искусство, обусловливают новые тенденции, которые были вызваны неподдельным интересом к флоре и фауне, в результате чего ювелирные творения начинают принимать цветочные, орнаментные формы. Мода на них сохранилась вплоть до ХХ века. Использовались и другие формы ювелирных украшений, например, животные, но растительный декор стал доминирующей темой в произведениях ювелирных мастеров. В XVII -XVIII веке в ювелирном искусстве нарастает интерес к живописным эффектам, которые в большей мере достигались за счет чеканного рельефа и сложного колористического сочетания цветов, моду на которые диктует, популярный в то время стиль барокко. Новые, помпезные, порой необычные глазу ювелирные украшения, все ж были востребованы в то время и оставались актуальными до середины XVIII века, пока мир не «покорили» изящные, тонкие оригинально оформлены украшения в стиле рококо. Именно в период рококо складывается ассортимент украшений, в целом не изменившийся до настоящего времени. В моду входят броши и эгретки в виде букетов, каскадов, огромнейшую популярность обретают бриллианты, в ходе усовершенствования методов их обработки, появилась классическая бриллиантовая огранка. Кстати, в это время начинается производство часов. Что касается ХХ века, то он ознаменован невероятным разнообразием направлений в ювелирном искусстве.

• Современные тенденции в ювелирном искусстве

Сегодня ювелирные украшения рассматривают как одну из форм художественного выражения, то есть в наше время принято говорить о ювелирном мастерстве как искусстве. Эта тенденция продолжают нарастать, в связи с развитием производства, технологической оснащенностью ювелирных предприятий, с использованием высокопрофессиональных инструментов и доступностью используемых в ювелирном деле материалов. Значительное улучшение в технологиях означает, что ювелирные изделия построены на доступных ресурсах, а так же синтетических материалах, готовых соперничать красотой с самыми дорогими природными драгоценными камнями и металлами. Эти факторы и стали причиной того, что внимание в ювелирном мастерстве стало сосредотачиваться больше на дизайне, творческом и художественном выражении. Переменчивая мода на ювелирные изделия производит к увеличению скорости изменений ювелирных коллекций, которые, в настоящее время считаются одной из форм самовыражения. Современные ювелирные тенденции, продолжая расти и развиваться вносят разнообразие и огромный вклад в историю ювелирного искусства в целом.

(Visited 8 174 times, 1 visits today)